HISTORIA DE LA ROPA DEPORTIVA

HISTORIA DE LA ROPA DEPORTIVA

Historia de la ropa deportiva

2020 será año olímpico. La ciudad de Tokio acogerá los Juegos de la XXXII Olimpiada desde el 24 de Julio al 9 de Agosto. Los organizadores nos hacen la boca agua asegurando que serán los más innovadores de todos los que se han celebrado. Y, conociendo la cultura tecnológica japonesa, mezclada con su amor por la tradición y las ceremonias, las emociones, el respeto, con su lucha contra la adversidad (el clima, la confluencia de las cuatro placas tectónicas sobre las que se encuentran…) y su manera de enfrentarse a ella con sabiduría, buscando la belleza, la seguridad, la conexión con la naturaleza en forma esos jardines sublimes, ¿cómo estamos?

Pues sentaditos esperando, frotándonos las manos, moviendo nuestras piernecillas inconscientemente, emocionados, a ver qué nos han preparado, como cuando mamá hace paella. (Porque las mamás también nos enseñan a sacar lo mejor de la adversidad, intentando crear hogar feliz con los medios que tienen. Buscan la perfección en lo que hacen, para nuestro disfrute y seguridad.)

KENGO KUMA

El arquitecto Kengo Kuma ha levantado su proyecto de Estadio Olímpico sobre el que se construyó en 1964. Se espera la conclusión de este proyecto para finales de este mes de Noviembre. Y el 21 de Diciembre podrá ser visitado, aunque para la inauguración, habrá que esperar hasta el gran día, el 24-06-20.

Kengo Kuma ha trabajado con madera de cedro, con formas de terraza, escalonadas, para mostrar al mundo que es factible la aplicación de la técnica tradicional japonesa para este tipo de construcciones de gran tamaño.

Leyendo sobre los proyectos de Tokio me he puesto ha pensar en también el diseño aplicado a la indumentaria, en su evolución. Y por eso comparto hoy este pequeño resumen de la Historia de la ropa deportiva.

Recuerdo que, desde pequeña, buscaba los horarios de emisión para ver Vela, Gimnasia Rítmica, Gimnasia Artística y Natación sincronizada. En cuanto a esta última disciplina confieso ser una gran admiradora. Y por supuesto, gran fan del equipo español, de su altísima calidad de puesta en escena, no sólo de sus técnicas deportivas, creatividad en las coreografías, sino también en la enorme originalidad de los diseños de sus bañadores y gorros, inspirados en las melodías.

EL EQUIPO ESPAÑOL DE NATACIÓN SINCRONIZADA

En el Mundial de este verano durante una de las pruebas, el equipo compitió al ritmo de una canción de AC DC, vestidas con unos bañadores que simulaban ser chaquetas de cuero rojo, muy rockeras. Antes de saltar a la piscina, subieron las cremalleras de sus “cazadoras”.

 

Tenemos claro que el deporte es un catalizador para la evolución de la moda.

Su uso no se limita a las pistas deportivas, piscinas, etc. a la calle y las pasarelas de alta costura. Se asocia a la comodidad, a la vida sana y también al lujo.

¿Sabes cuánto qué gasto se estima en ropa deportiva para el próximo año?

 

1. HISTORIA DE LA ROPA DEPORTIVA:

A finales del siglo XIX el uso de la bicicleta lleva al uso de ropa más ligera para los hombres y al de la falda pantalón por parte de las mujeres. Los baños de mar dan lugar a los bañadores, aunque sabemos, por representaciones como la de la Villa romana del Casale, en Sicilia, que en el la Antigua Roma ya se utilizaban bikinis.

Durante los años 1870 y 90 los ingleses van introduciendo diferentes deportes en Francia, además de comercios especializados en equipamiento deportivo. Primero importan del otro lado del Canal de la Mancha, pero, paulatinamente, comienzan a fabricar en el país galo. Tunmen es el primero en instalarse en París y vende mallas para correr, nadar, jugar al fútbol..

Los Juegos Olímpicos modernos se celebran por primera vez en 1896. En las de París en 1900, las mujeres pueden participar en tenis, golf, vela, croquet… En 1904 también en tiro con arco.

La burguesía urbana de la Belle Époque hace deporte y la ropa se va especializando.

Con el esquí aparece el anorak, con el golf el cardigan y los polos…

¿Y el pantalón Jodhpurs? Es un tipo pantalón de equitación, bastante holgado en la parte superior, con una pieza en la entrepierna hasta la rodilla como refuerzo de esta parte, que está en contacto con el caballo; y ajustado del tobillo a la rodilla para evitar pliegues en las botas de montar. Lo importan de la India los oficiales ingleses. Fue creado para Pratap Singh, hijo del maharajá de Idar, Regente de la ciudad de Jodhpur, quien era un jugador de polo nada satisfecho con sus pantalones de montar. El Jodhpur es una revisión de antiguo pantalón indio Churidar, ajustado hasta la rodilla y holgado en la cadera, y se convierte en el uniforme de muchos equipos de polo de la India.

En la década de 1920, algunos diseñadores, como Elsa Schiaparelli, comienzan a interesarse la indumentaria deportiva, que poco a poco se va introduciendo también en la vida diaria, en la ropa de calle.

¿Qué animalito viene a tu cabeza si digo “tenis”? Sí, el cocodrilo. Las chicas con falda plisada y los chicos con el polo Lacoste, creado en 1927. Aquellos primeros de algodón y hoy en día, la mayoría, en fibras sintéticas como el polyester, para facilitar movimiento y liberación de sudor.

FÓRMULA 1 Y TRAJES IGNÍFUGOS

Piensa ahora un momento en un piloto de Fórmula 1. ¿Cómo lo estás visualizando en tu cabeza? Perfectamente vestido, protegido, con la más alta tecnología textil para evitar arder en caso de accidente, para poder transpirar, etc… Pues no siempre ha sido así.

El primer campeonato se celebra en 1950 y los pilotos llevan una camisa de algodón, casco y guantes de cuero y SIN cinturón de seguridad. Pero en los 70 todo esto se modifica. Tras el accidente de Niki Lauda (fallecido este 2019) en el que las llamas le desfiguran cara, cabeza y manos, se toma conciencia de la importancia de la seguridad.

Los trajes pasan a ser ignífugos desde 1975, cuando la Federación Internacional de Automovilismo lo dispone como requisito indispensable. Como exigencia deben tener la capacidad de resistir las llamas hasta once segundos (tiempo de poder abandonar el vehículo en caso de incendio). Los científicos de Dupont crean en 1961 la fibra Nomex® (se comercializa desde el 67), que funciona como barrera entre el fuego y la piel. Es una variación del kevlar, flexible y parecido al nylon. Y este material pasar a ser el uniforme de los pilotos.

Desde la ropa interior hasta el traje, todo es de Nomex®. Los guantes también, aunque lo combinan con cuero, para mejorar el agarre al conducir.

EL GOLF

Para muchos, el golf es uno de los deportes más estrictos con su vestuario, aunque para otros, las normas de indumentaria son equiparables a las de otros deportes, como pueden ser el fútbol o el baloncesto. Quizás la idea de que es más estricto se deba a que la ropa de golf no es de deporte, sino más bien, de calle; pero en la que no todo está permitido, o tal vez al hecho de ser uno deportes en los que menos se ha modificado el atuendo a la largo de esta Historia de la ropa deportiva. O que se asocia al lujo, a un deporte para élites y, quizás, intensifica esa sensación de normas arcaicas.

Existe actualmente un debate sobre si las normas deberían relajarse y adaptarse más al momento, como hacen otras disciplinas deportivas o, por el contrario, mantener la tradición. Por ejemplo, Tommy Fleetwood, número 1 europeo, quiere que se permita practicar golf en chándal.

No existe un reglamento internacional con una lista de vestuario apropiado o prohibido. Son los clubes los que deben decidir cómo visten sus socios, con sus propias reglas. Pero, aunque haya unos clubes más exigentes que otros, en todo el mundo, la tradición funciona como norma global:

-Están prohibidos los vaqueros, las mallas, los pantalones de camuflaje o los ya mencionados chándal. Deben ser largos y, si son cortos, no se permiten shorts, sólo bermudas por debajo de la rodilla o 10 cm por encima de ésta.
-Las camisas o polos deben tener cuello y siempre deben estar metidas dentro del pantalón.
-Las gorras deben llevar la visera hacia delante.
-No se permiten zapatillas deportivas, sólo zapatos de golf.

 

LA GIMNASIA RÍTMICA

¿Recuerdas a Jean-Jacques Rousseau? Si no has leído más sobre él, al menos tienes ese recuerdo de los apuntes del colegio, de hombre ilustrado, aunque separado de otros protagonistas de la Ilustración, como Voltaire. Conoces su frase: “El hombre es bueno por naturaleza”. Quizás lo recuerdes como impulsor de la Revolución Francesa. Y ahora no entiendes por qué hablo de él justo debajo de un subtítulo que pone “La gimnasia rítmica”, en un artículo sobre la Historia de la ropa deportiva.

 

Pues porque Rousseau es un polímata, un hombre dedicado a la Escritura, la Filosofía, la Música, la Botánica, y la Pedagogía.

Y en esta última disciplina, en la Pedagogía, establece los primeros principios de la gimnasia deportiva, integrando el ejercicio corporal como parte de la educación de un niño, intentado desarrollar todas las potencialidades, ya que antes no se incluían aspectos corporales.

Pedagogos y médicos como Peter Henrik Link continúan desarrollando estas ideas, intentando que los niños expresen sus sentimientos y emociones a través del movimiento.

A partir de 1890 el suizo Dalcroze desarrolla un método musical. La bailarina Isadora Duncan desarrolla ejercicios de gimnasia. Y con Rudolf Bode, alumno de Dalcroze, nace la gimnasia moderan.

La indumentaria también se rige por ciertas normas:

• los maillots no pueden ser transparentes. Las gasas y encajes van forrados de color piel.
• el escote no puede bajar de la línea de la mitad del esternón (delantero) y de la línea inferior de los omóplatos (espalda).
• el corte del maillot en la pierna no puede sobrepasar el pliegue de la ingle. Está permitido el mono, pero con las dos piernas del mismo color, aunque pueden variar las decoraciones.
• si se compite en equipo, se hace con trajes idénticos, aunque se permiten pequeñas diferencias en estampado, debido al corte del tejido.
• se pueden llevar medias, mallas, puntos de sutura, adornos, cristales Swarovski…
• si lleva falda, no puede quedar más baja que la pelvis.

 

 

QUÍMICA Y TECNOLOGÍA, GRANDES AMIGAS DE TODA LA VIDA DEL TEXTIL DEPORTIVO.

La ropa deportiva se ha convertido en un elemento importantísimo de las competiciones, tanto por estética como por rendimiento o seguridad. Los textiles para deporte están siempre a la vanguardia de investigaciones para mejorar resistencia al fuego, al frío, al agua, facilitar la transpiración (para que no huela mal, no se moje…), para proteger contra los rayos del sol o incluso para permitir ser atravesados por ellos y no dejar marcas de bronceado, para facilitar el movimiento, ir más rápido (diseños aerodinámicos).

Xiaomi acaba de presentar hace unos meses una camiseta que mide el pulso. Los elementos electrónicos, un chip en la parte delantera, no se perciben en el textil. Lleva una batería, recargable por USB, colocada en la espalda y el precio, 25 euros, la hace muy asequible.

LAS FIBRAS SINTÉTICAS:

El desarrollo de las fibras sintéticas ha abierto un abanico de posibilidades y funcionalidades enorme, desarrollando el campo textil en un modo inimaginable hace años.

Con los polímeros, por ejemplo, se puede conseguir que un traje completo de deporte tenga unas características concretas en diferentes zonas, porque, por ejemplo, no necesitamos el mismo aislamiento térmico en el tronco que en las piernas.

Las fibras antibacterianas, mediante principios activos, evitan los malos olores de la transpiración.
Los polipropilenos, como no son amigos del agua, se secan a gran velocidad.

GORE-TEX

En 1958 el ingeniero químico Bill Gore descubre un polímero llamado  politetrafluoroetileno (PTFE), que utiliza para el aislamiento de cables. Lo conoces por su nombre de marca, el Teflón. En 1969 consigue desarrollar un hilo que permite escapar la transpiración, pero que, a su vez, impide el paso de gotas de agua, el politetrafluoroetileno expandido ePTFE. Es así cómo nace el conocido Gore-Tex.
En 1976 crean la primera colección con este material para deporte y ocio. En 1979 lo incorporan al traje de los bomberos norteamericanos y hoy en día es utilizado en todo el mundo, en equipamiento náutico, en ropa militar, etc.

 

CUIDANDO EL PLANETA.

 

Pero no todo debe ser buscar un mayor rendimiento en la competición, o un mayor confort cuando practicamos deporte. Es imperativo que, con cada gesto, con cada producción, tomemos conciencia y pongamos nuestra participación en la sostenibilidad y lucha contra la contaminación y destrucción, seamos fabricantes o consumidores. Por nuestro bien y para nuestro propio beneficio. Por tener un planeta en el que nadar o correr.

Malden Mills® crea en 1979 un tejido térmico de poliéster. La idea es desarrollar un producto con las cualidades de la lana, pero sin sus inconvenientes, que mantenga la piel caliente y seca. Se inspira en la piel de los osos polares, de ahí el nombre del invento: la fibra polar. Desarrollan varios tejidos como el Polarplus, Polarlite… Pero, finalmente deciden englobar todos en la firma Polartec®, que es utilizada por muchas marcas de alta gama del mundo (los más baratos son versiones aproximadas sin las mismas cualidades técnicas).

¿Sabes con qué se fabrican ahora? Polartec® sigue pensando en los osos, en el deshielo y en la fabricación con material reciclado. Crean en 2012 la serie Polartec ® Recycled. Cada chaqueta utiliza una media de 25 botellas de plástico de 2 litros. En el 2015 reutilizan un millar de estos envases.
El tejido no es impermeable, aunque combinado con otras fibras y acabados sí consigue esta función.

 

LA POLÉMICA: ROPA TECNOLÓGICA EN COMPETICIÓN. ¿SÍ O NO?

Como cierre a esta Historia de la ropa deportiva, retomo la apertura.

Volvamos a los Juegos Olímpicos. Natación. ¿Te suena la marca Speedo?
En el 2008, Michael Phelps, Amanda Beard y Natalie Coughlin exhiben unos trajes desarrollados por una empresa italiana (Mectex) junto al Instituto Australiano de Deporte y con colaboración de la NASA, que aporta tecnología, como un software de análisis de fuidos. Petratex, una empresa portuguesa, los fabrica. Son los LZR.

Comprimen el cuerpo, de modo que es más aerodinámico, favorecen la oxigenación de los músculos, y están cosidos con ultrasonido para evitar costuras que provoquen turbulencias o fricción. Repelen, también, el agua. Su precio: 470 euros.

La polémica:

La FINA aprueba su uso con la condición de que esté disponible para todos los participantes de los Juegos de Pekín 2008.
Sin embargo, algunos, como el ex nadador Kierin Perkins se oponen. Perkins alega que tanto el precio como acuerdos comerciales puedan desfavorecer a competidores, y que una ventaja tecnológica de unos sobre otros gracias al equipamiento va en contra de este deporte.

Los equipos sin acuerdo de Patrocinio con Speedo están en desventaja. El 94% de las pruebas son ganadas por nadadores con este traje, y el 98% de medallistas también lo utilizan.
Esto provoca una oleada de críticas, comparándolo al dopaje. Y en 2010, la FINA decide prohibirlo.

Desde el 2010 el bañador de hombre no puede pasar del ombligo o ser más largo de la rodilla, y para mujer, no puede cubrir ni los brazos ni el cuello. Además, facilitan una lista con 202 bañadores permitidos y un participante debe debe notificar con un año de antelación qué prenda utilizará en los Juegos.

En 2012 Speedo presenta un nuevo traje, el Fastskin 2, pero Arena, con su Powerskin Carbon-Pro lo supera.
En Speedo alegan que el deporte debe ir ligado a la tecnología, al avance.

¿Qué opinas?

Está claro que ambos deben ir de la mano. Todo lo que sea mejorar rendimientos, seguridad y confort debe ser bienvenido; pero en una competición, estoy de acuerdo con los que se oponen. El avance tiene que ser posible para todos, sin ventajas que se compren. Al igual que cuando en Fórmula 1 los trajes pasaron a ser ignífugos.
Los coches de rally no compiten contra bicicletas. La habilidad, potencia, resistencia y técnica del deportista no son comparables si se juega con diferentes medios.

 

Espero que te haya gustado este repaso a la Historia de la ropa deportiva.

Un saludo.

María Gondar.

 

 

Artículo: Historia de la ropa deportiva.

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LA GABARDINA SE FUE A LA GUERRA. NO SÉ CUÁNDO VENDRÁ. DO RE MI-DO RE FA

LA GABARDINA SE FUE A LA GUERRA. NO SÉ CUÁNDO VENDRÁ. DO RE MI-DO RE FA

¿Te preguntas por qué este título tan raro para un artículo sobre la Historia de la gabardina?
Recordarás la canción “Mambrú se fue a la guerra”. Pues la gabardina también lo hizo.

Quizás no te hayas planteado nunca por qué llamas trench a esta prenda. Pues porque trench (inglés) significa zanja o trinchera, y la Primera Guerra Mundial fue también conocida como Guerra de trincheras y este tipo de abrigo, revolución de la confección, ayudó a los soldados a protegerse de la lluvia y del frío en el campo de batalla. (Trench coat= abrigo de trinchera).

¿Sabes quién fue su creador?

1. LOS CREADORES DE TEJIDOS IMPERMEABLES

Seguro que sí y puede que cada temporada no te pierdas el desfile de esta marca en la Fashion Week of London. Fue Thomas Burberry; pero mucho antes hubo otros creadores de tejidos impermeables, como los indígenas de Sudamérica, que cubrían su ropa con savia del Hevea brasiliensis (caucho) y a los considero necesario mencionar, para comprender bien cómo nace la gabardina.

Años después del descubrimiento de esta técnica indígena por parte de lo colonos americanos, el químico inglés Charles Mackintosh inventa un tejido impermeable uniendo dos capas de tela de algodón con una solución de caucho natural en nafta, y lo patenta en 1823. Y John Emary, fundador de Aquascutum (escudo contra el agua), en Londres, patenta en 1853 el primer tejido hecho con lana impermeable. Los soldados británicos que participan en la Guerra de Crimea (1853-1856) llevan sus abrigos.

2. LA GABARDINA DE BURBERRY

Thomas Burberry funda su firma de ropa con 21 años, en 1856, con la intención de crear prendas que protejan del clima británico, del frío y la lluvia. Se dice que en 1879  se encuentra con un pastor de su región, quien tiene una chaqueta impermeable. El pastor le explica utiliza un producto para bañar a sus ovejas y que su lana resulte brillante y que, durante el baño, su propia chaqueta acaba empapada. A partir de ese encuentro, Burberry idea y crea el tejido gabardina, impregnando el hilo, en lugar de la prenda finalizada, como en el caso del pastor. Presenta la patente en 1888 y la fabrica, en exclusiva, hasta 1917.

¿Y de dónde sale el nombre?

Se inspira en El Mercader de Venecia, de Shakespeare, concretamente en el personaje de Shylock, quien lleva “jewish gaberdine”, una especie manto judío medieval. (Puedes leer la historia de la marca en su página web).

Esta creación supone una revolución tecnológica en la confección. En 1901 el Nobel de la Paz Dr Fridtjof Nansen la utiliza en una exploración al Círculo Polar Ártico y Sir Ernest Shackleton la lleva a todas sus expediciones del siglo XX. En 1908, el General de Brigada Edward Matland también se la lleva a su viaje en globo del Crystal Palace a Rusia (1800 km).

En 1912 la firma patenta el modelo TIELOCKEN, que es considerado en predecesor de trench-coat.

3. EL TREANCH COAT EN LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL (1914-1918). DO RE MI, DO RE FA.

Hasta 1850 visten unos incómodos abrigos de lana, largos y pesados.

Los uniformes de los soldados suelen hacer referencia a las banderas nacionales; pero los británicos, desde el motín de India de 1857, apuestan por el color khaki o caqui (palabra india que significa arena).

 

La introducción de la gabardina supone para los soldados ligereza, protección contra la lluvia, el barro…

¿Recuerdas en el artículo anterior sobre los tejidos acolchados (quilt) y las armaduras medievales? Muchas de las prendas que utilizamos está o estuvo muy vinculada a la tecnología de guerra, tanto por materiales, formas o colores (camuflajes).

Este trench coat militar lleva unas hombreras que permiten colgar el equipamiento. Tiene, también, unas piezas superpuestas en la parte superior delantera y espalda para permitir que el agua de lluvia resbale y no se moje por completo el abrigo. En las charreteras se lucen los rengos, y los estuches con mapas se pueden colgar con anillas a los agujeros con remaches del cinturón.

Sin embargo, no todos los soldados tienen gabardina en lo primeros años de la Guerra de Trincheras. No es hasta 1917 que la oficina de guerra, ante un ejército mucho mayor, ordena a empresas civiles (como las mencionadas Aquascutum o Mackintosh) los trench coat (abrigo de trinchera) y Burberry pierde la exclusiva.

Además, con la fabricación masiva, su uso se extiende también a la población, a quienes impresionaba este look militar patriótico.

4. LOS INVESTIGADORES PRIVADOS DE HOLLYWOOD LLEVAN GABARDINA

Me gustaría que intentases recordar tres o cuatro personajes de cine o televisión, o si prefieres, literarios, que sean representados por la gabardina.

Yo he pensado en estos: el Inspector Colombo, con aquella misma gabardina arrugada que lució en 8 temporadas de la serie (cuyo primer capítulo fue dirigido por Steven Spielberg, en 1971). He recordado también a Humphrey Bogart en Casablanca o El Halcón Maltés, a Audrey Hepburn y George Peppard besándose bajo la lluvia -pero protegidos con sus trench- en Desayuno con Diamantes, a Steve McQueen en Bullit y en Sophia Loren en La llave . Y, cómo no, en el Inspector Gadget, personaje de dibujos animados.

¿Hemos coincidido en algunos?

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Como ya sabías y acabas de ver en la galería anterior, Hollywood pone su grano -o, más bien, puñado- de arena a la causa, dándole a la gabardina un toque sofisticado. La asocia al buen vestir, a hombres y mujeres con carisma, comprometidos, misteriosos: periodistas investigando casos de corrupción, investigadores privados contratados para vigilar cónyuges infieles haciendo sus esperas bajo ventanas con gabardina, sombrero, cigarro y periódico, para disimular; espías de la CIA, escritores, gansters de Chicago, ejecutivos de Wall Street… Bueno, también a exhibicionistas. Y esta idea de “bien vestido” es la que permanece en nuestras mentes.

 

5. EL TRENCH NO SÓLO ES IMPERMEABLE, ES TAMBIÉN INCOMBUSTIBLE.

Y con incombustible me refiero a que no pasa de moda. Temporada tras temporada vemos cómo aparece en las colecciones de marcas y diseñadores.

No todo el mundo tiene una; pero gran parte de la población, sin temor a exagerar, puede decirse que sí -yo tengo tres en el armario: dos de estilo clásico en color beige (de Henry Arroway y Adolfo Domínguez) y una versión en piel negra con acabado en purpurina y ribetes fucsia, que guardo como un tesoro (de Custo Barcelona)-.

De hecho, si lees revistas o blogs de Moda y tendencias, cuando los septiembres publican decálogos de básicos para la vuelta al trabajo, la gabardina no suele faltar en estas listas de imprescindibles, tanto la versión masculina y femenina e incluso para niños.

6. GABARDINA Y DISEÑO DE MODA

Para darte una muestra de los diferentes diseños de gabardina, he hecho una pequeña selección de modelos de alta gama, algunos manteniendo formas muy clásicas y otros buscando nuevas formas y materiales.

 

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Finalmente, para cerrar este artículo y como lo he hecho con los anteriores, añado unos propios diseños ilustrados de gabardina y  un vestido con sobrefalda inspirado en esta prenda, como humilde aportación y porque me encanta diseñar y dibujar y me lo tomo como proyecto personal de trabajo, aquí . Espero que te gusten, y si eres diseñador o deseas serlo, inténtalo tú también.

 

Post-Scriptum: te recuerdo que ya es Otoño y ha empezado la temporada de peli, sofá, mantita y galletas; así que te propongo alguna con gabardinas. Tienes muchas para elegir.

Gracias por permitirme el tuteo, por leerme y por compartir este enlace.

 

 

 

María Gondar para el blog de Cruz Costa Costura.

La gabardina se fue a la guerra.

 

 

 

 

 

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Quilt, Matelassage o Acolchado. Del gambesón medieval a nuestros días.

Quilt, Matelassage o Acolchado. Del gambesón medieval a nuestros días. Descubre la historia de este tipo de confección y las prendas que se han convertido en incontournables.

Seguro que tienes un sac matelassé o una quilted jacket en el armario; puede que de Chanel, Husky o Barbour o de cualquier otra marca, porque el uso de esta técnica es todo un clásico, y no sólo para las temporadas más frías y lluviosas, sino también en algunos complementos y prendas de primavera y verano.

 

 1. LA TÉCNICA

Existen diferentes técnicas de acolchado; pero, en general, se realiza con tres capas, como un sándwich: dos tejidos con un relleno interior. Y, mediante puntadas, se realizan los relieves. En ocasiones este tipo de trabajos se combinar con técnicas de patchwork.

 

2. HISTORIA

¿A que no imaginabas un uso guerrero para este tipo de prenda?

Pues esta técnica de confección se utilizaba en armaduras de caballeros (bajo la cota de malla y la armadura metálica) y samurais. Esta pieza se llamaba gambesón y servía de protección contra las rozaduras de la armadura. Se cree que su uso en Europa fue anterior; pero está constatada la revolución y evolución de su uso en Inglaterra, a finales del siglo XI, cuando pasó a utilizarse también como versión exterior, en cuero o lonas pesadas, y no sólo como protección interior bajo la malla.

En la Biblia Maciejowski o Biblia de los Cruzados (documento de 46 páginas, considerado obra maestra del gótico, actualmente en el Museo Morgan de Nueva York), se muestran diferentes diseños de gambesones.

 

3. EL CÉLEBRE BOLSO GUATEADO DE COCO CHANEL 2.55

El 2 de Febrero de 1955, Gabrielle Chanel lanzó el célebre bolso (sac matelassé) 2.55 (haciendo referencia al mes y año de lanzamiento, como hacía con los perfumes).

No está clara la inspiración que dio lugar a esta pieza tan repetida, copiada e inspiradora de nuevos diseños. Existen diferentes teorías, como que se inspiró en las chaquetas de los jockeys de los campos de carreras, o en cojines, ya que este tipo de acolchado también se utilizaba en sillones, textil de hogar…

Pero lo importante es el gran éxito de esta pieza, que se convirtió en un emblema más de la Maison.

4. LA QUILTED JACKET

Este clásico inglés fue creado por un aviador estadounidense, Steve Gulyas, en 1965. Tras la guerra se instaló en Inglaterra y abrió varias tiendas. Creó esta prenda, junto a su esposa Edna, para pescadores y cazadores, con grandes bolsillos para cartuchos. Como tenía un perro husky, Husky fue el nombre que le dio a la prenda. En su origen esta hecha de nylon (100%) y el interior con sólo 80 gramos de polyéster, lo que la hacía muy liviana. Protegía del frío y de la lluvia, gracias a sus tejidos y al aire atrapado en el relleno interior.

Asociamos esta imagen a la Reina Isabel II de Inglaterra, a Lady Di, durante sus jornadas de caza o paseos por la campiña, con sus perros.

Treinta años después Gulyas vendió su negocio a Saviero Moschillo y actualmente fabrica estas prendas totalmente en Italia. Y hoy en día hay versiones de la prenda en muchísimas marcas. (www.husky1965.com)

 

5. MI PROPUESTA

Como hoy iniciamos el Otoño, y en mi región, Galicia, somos muy de necesitar paraguas en esta época del año, he diseñado una gabardina blanca, con piezas acolchadas en el cuerpo y godets, todo en nylon negro. Resistente al agua, calentita y muy frufrú.

 

Un saludo, hasta el próximo artículo.

María Gondar.

 

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Historia del caftán, de Zyriab a Tamy Tazi

Historia del caftán, de Ziryab a Tamy Tazi.

He aprovechado este post para añadirlo al curso de Diseño e Ilustración de Moda del Blog, de modo que, al final, dejaré un ejercicio para quienes haya interesado el tema y deseen utilizarlo como material para diseño e ilustración, practicando esta vez la superposición de capas al aplicar el color.

Además, los amantes de la cocina, de la mano de Bodegas Mezquita, que muy amablemente me han permitido compartir su publicación, descubriréis una receta histórica directamente vinculada a un influencer medieval del caftán.

O sea, que el tema viene bien completo y aprovechadito.

INTRODUCCIÓN:

El objetivo de este artículo es la continuación de mi estudio personal sobre la Historia del Traje y su relación con la sociedad, la religión, la tradición, la artesanía, las revoluciones sociales, los movimientos artísticos, etc.
Llegó a mis manos, -o hice llegar- un ejemplar de la revista Gazelle Mag, para las mujeres del Magreb, dedicado a las bodas y ahí estaba esperándome el caftán, esta prenda que nos suena a atuendo de playa en sus versiones más sencillas o a vestimenta de la casa real alauí. En el ejemplar se mencionaban diferentes talleres de producción de caftanes; así que decidí conocer su historia.

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Normalmente, cuando buscamos documentación sobre un tema en Internet nos encontramos con muchos artículos, reportajes, estudios, en ocasiones tan repetidos que se hace complicado averiguar rápidamente quién es el autor y quiénes se han limitado a copiar y pegar el trabajo de otros.
Me ha sorprendido no encontrar demasiada información sobre la diseñadora marroquí Tamy Tazi, dada la calidad de sus creaciones, la importancia de su trabajo, que ha revalorizado el artesanado textil de su país, respetando la tradición y al tiempo adaptando esta prenda tradicional a la moda del siglo XX y XXI, o la relación tan próxima que tuvo con Yves Saint Laurent, a quien conoció en Marrakech y Pierre Bergé.
He encontrado unos cuantos vídeos y artículos en Francés e Inglés y nada en Español, a pesar de la relación de la creadora con nuestro país (estudió Filosofía y Letras en Granada).

 

ORÍGEN, EXTENSIÓN  Y EVOLUCIÓN DEL CAFTÁN.

Pero antes de revisar la obra de esta couturière, vamos a viajar al pasado, hasta Persia, para conocer el origen del caftán.
Fue en este país (actual Irán) donde se originó (khaftane). Durante el siglo VII los califas comenzaron a utilizar moda iraní, introduciéndose así en el Oriente musulmán. Los omeyas (califato) los trajeron hasta Al-Andalus (Andalucía), y los conquistadores árabes los llevaron a Marruecos.

ZIRYAB

Si eres andaluz, quizás conozcas un plato a base de judías blancas secas en salazón y asadas, conocido como ziriabí. Esta receta debe su nombre a Abú aI-Hasan Alí ibn Nafi, conocido como Ziryab (Mirlo Negro), por su color de piel y su bella voz. Ziryab era poeta, compositor, cantante y gastrónomo. Nació en Mosul y falleció en Córdoba,  (Al-Andalus) en el año 857. Fue acogido en el califato por el monarca Abderramán II y no sólo innovó en la música, sino que se le atribuye una gran influencia en la alta sociedad cordobesa, aportando exquisiteces de Oriente, utilizar copas de cristal o manteles, el juego del ajedrez, el consumo de espárragos trigueros, peinarse con flequillo y, algo que nos interesa mucho en este artículo, el uso del caftán. Se dice que las mujeres árabes, admiradoras de su estilo, comenzaron a vestirlo, eso sí, adaptado a las formas femeninas

¿No crees que es apasionante ver cómo se mezclan la historia de la Moda, de la Música o la Gastronomía?

En el blog de la web de las Bodegas Mezquita, tienen un artículo muy interesante sobre Ziryab y su receta. Te animo, pero sólo una vez que hayas terminado este artículo, no te escapes antes de tiempo, a hacer click y descubrir cómo preparar este aperitivo histórico. 

Volvamos mientras a nuestra prenda.

La expansión del Islam extendió su uso, sin embargo, en cada país, la prenda evolucionó de diferentes formas.

Caftanes en el Imperio Otomano:

Se bordaban, normalmente, por delante y en las mangas, y se adornaban con diferentes cintas, colores y motivos que señalaban el rango de quien lo llevaba.
En el Palacio de Topkapi, en Estambul, una de las colecciones principales está dedicada a esta prenda.

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En 1922, Mustafa Kemal Ataturk, padre de la Turquía moderna, derrocó al sultán otomano y prohibió el uso del caftán, para promocionar los atuendos de Occidente.

 

Caftanes de Marruecos:

 

Los primeros caftanes de Marruecos son de los siglos XV y XVI. Los aportes de Persia, de los otomanos, junto al de Al-Andalus, enriquecieron el artesanado de la zona.
Cada una de las villas imperiales (Fez, Tetuán, Rabat, Chefchaouen…) tiene su propio caftán. Los caftanes de herencia andaluza perduran hasta hoy, y son utilizados por las mujeres en celebraciones como matrimonios, cumpleaños… No sucedió lo mismo en otros países, en los que su uso fue desapareciendo.

 

Caftanes de Argelia:

El caftán de Argelia es más corto, hasta la rodilla o muy poco más, y aún puede verse en Tlemcen.
En este país, el traje tradicional fue variando en cortes y técnicas de bordado con la llegada de musulmanes y judíos expulsados de España.

En el siglo XIX nació el Karakou, una evolución de caftán en una forma muy refinada.

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El Caftán ruso:

 

En Rusia también aparece el término caftán, aunque se refiere a otra prenda: una túnica masculina muy ancha y con mangas ajustadas. El zar Pedro I prohibió su uso, al igual que Mustafa Kemal Ataturk, con la intención de occidentalizar la vestimenta.

LA IMPORTANCIA DE LA OBRA DE TAMY TAZI.

Forma ya parte de la Historia del caftán. Es una de las más importantes creadoras de alta costura en Marruecos. Se formó en Literatura y Filosofía en España, en Granada, ciudad a la que asegura tener mucho cariño. En 1953 conoció al que luego sería su marido y regresó a su país de origen. Su amiga Aline Griffith, la fallecida Condesa de Romanones, escritora y ex agente del OSS estadounidense, que era imagen de Vogue España, la animó a dedicarse a la Moda.

En Marrakech conoció a Yves Saint Laurent, con quien comenzó una amistad que perduraría durante años, y posteriormente a Pierre Bergé. Saint Laurent admiraba su trabajo y reconoció la influencia de la modista y de Marruecos en su obra.

La diseñadora empezó creando trajes compuestos por chaqueta y falda larga, pero pronto su mirada se enfocó en el traje tradicional y en sus técnicas de confección y bordado.

El valor de Tamy Tazi está en su respeto por el pasado, su pasión por el artesanado, no sólo de su país sino de sus vecinos (es coleccionista de bordados y tejidos bereberes) mezclado con su intención de modernizar a la mujer marroquí. Aúna pasado y futuro con destreza y buen gusto. Explica que los caftanes tradicionales le parecían muy cuadrados y pesados, así que aligeró tejidos y ciñó siluetas.

A partir de la Randa, un fino encaje que realza el cuello de los camiseros masculinos, creó su famosa Chbika. Alargó la Randa con motivos geométricos y figuras animales o florales. Trabajó también el arte del Mâalem, con hilos de oro y plata.

Para conmemorar sus 40 años como diseñadora, en el 2015 se celebró una exposición en el Hotel Royal Mansour de Marrakech.

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Y, como he anunciado al principio del artículo, para los que estéis siguiendo los temas del Curso de Diseño e Ilustración de Moda del Blog, os dejo un ejercicio muy completo, junto a una técnica de dibujo para practicar, la superposición de capas (the layering technique). Haced click sobre la imagen siguiente para descargarla en PDF, lista para imprimir.

Me despido con una ilustración y diseño de caftán. Hasta el próximo artículo.

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CURSO DE DISEÑO E ILUSTRACIÓN DE MODA. LECCIÓN 8: DISEÑO DE CINE

Curso de Diseño e Ilustración de Moda. Lección 8: DISEÑO DE CINE.

Voy a proponerte un ejercicio en forma de juego, para intentar acercarnos al oficio de Diseñador de Vestuario para Artes Escénicas (cine, televisión, teatro, ópera, ballet…)

DISEÑO + 1 TÉCNICA DE COLOR

Además, para sacar mayor rendimiento al tema 8 y, como a estas alturas del curso, estás dibujando mucho mejor, lo haremos con un técnica específica de color.

Hoy fingiremos ser diseñadores de Vestuario Escénico para cine.; pero si deseas aprender más, hay muchísimos libros, cursos y blogs en Internet esperándote. Yo sigo con interés el blog Vestuario Escénico de Diana Fernández :

es riguroso, rico en contenido (tanto en texto como en imágenes), actualizado con mucha frecuencia y con muchísima información sobre la Historia del Traje, sobre todo aplicado a estas artes escénicas; de modo que, si deseas profundizar en el tema, te animo a hacerlo.

CREA TUS PROPIOS EJERCICIOS 

Además, podrás proponerte ejercicios a ti mismo. Por ejemplo, cuando veas una película o tu serie favorita, imagínate cómo habrías vestido tú los personajes si hubieses sido el director de vestuario.

Y da un poco más, salta de la imaginación a un planteamiento más serio y analiza dónde está situada la película: presente, pasado o futuro; en qué ciudades o países está ambientada…

Estudia el personaje. Sus cualidades, estilo, valores, qué lugares frecuenta, cuáles son sus actividades de tiempo libre, nivel económico, académico…

¿PARA QUÉ SIRVE EL ANÁLISIS?

Aprender a analizar personas te será de ayuda cuando necesites focalizar tu público objetivo, tu target; para poder definir sus necesidades y gustos y diseñar adecuándote y ofrecer a tus clientes lo que quieren o lo que crees que podría interesarles.

 

No siempre tenemos la posibilidad de ir a clase, falta de tiempo o recursos, porque no hay lo que necesitamos en el área geográfica en la que vivimos, etcétera.

Como decía Sócrates, “scio me nihil scire o scio me nescire” (“Yo sólo sé que nada sé”); pero el mínimo de información que tengo sobre Moda, y lo que voy aprendiendo, lo comparto. Este curso ha nacido para esto.

Y quiero que comprendas que, cuando no tengas la posibilidad de ir a clase, de conseguir nuevos ejercicios para practicar, no te quedes sin hacer nada. Invéntatelos. Si amas verdaderamente el Diseño y el Dibujo de Figurines, si eres creativo, siempre encontrarás para quién diseñar.

CENTRÉMONOS EN EL CINE AHORA.

El cine, como bien sabes, es un arte que conjuga muchas otras. El cine es también escritura (guiones), fotografía, música, diseño de vestuario, diseño de decorados, iluminación, maquillaje y peluquería, dirección artística… Se estudia el valor del plano, cómo se mueve la cámara y qué efectos produce en el observador. En muchas ocasiones, el cine no es sólo entretenimiento, sino que tiene una labor más social, intenta hacernos pensar sobre ciertos temas, injusticias o dramas.

El diseñador de vestuario debe conocer técnicas de confección, historia de la moda, materiales textiles, la silueta humana. ¿Por qué? Porque su labor es la de convertir al actor en personaje.

Para ello puede localizar (hay mercado de vestuario para cine y teatro), comprar, modificar o crear nuevas prendas.

Debe dominar así mismo las técnicas de representación gráfica y figurinismo, escenografía, iluminación y psicología del color.

Para el ejercicio de hoy, te dejaré escoger película o serie, época en la que está ambientada y personaje a vestir. Intenta que sea del pasado, para poder investigar un poco sobre la Historia de la Moda. Y si después quieres seguir con el juego, prueba a vestir un actor de cine o televisión actual.

Te guiaré en los pasos que debes seguir, y dispondrás de 15 días para hacer el trabajo, hasta que publique el próximo tema. Así tendrás tiempo suficiente para ver tu película, documentarte, bocetar y crear los figurines con la técnica de color.

Pero antes de ponerte a trabajar, ¿qué te parece si vemos algunas prendas icónicas del cine y conocer algunos diseñadores galardonados?

MILENA CANONERO PARA LA PELÍCULA MARÍA ANTONIETA.

Dirigida por Sofia Coppola, con Kirsten Dunst como protagonista en el papel de la reina de Francia Marie-Antoinette. La famosa diseñadora de vestuario Milena Canonero ganó un Oscar por su fantástico trabajo. El vestuario tiene un papel protagonista en la cinta. La película se sitúa en el siglo XVIII, en el Palacio de Versalles, durante el convulso período de la Revolución Francesa, con un rey absolutista y una aristocracia que disfrutaba del lujo y un pueblo que vivía en la miseria.

AMBIENTE DULCE

María Antonieta está vestida al estilo Rococo, con tonos pastel, grandes volúmenes, pelucas y maquillajes empolvados, abanicos y plumas.

Manolo Blahnik fue el diseñador de los zapatos. Y como toque divertido, y para enfatizar el aspecto aniñado de la reina, aparecen unas All Stars de Converse en una de las escenas.

Los dulces (tartas, pasteles… ) tienen también gran importancia. La célebre pastelería Ladurée de Paris, (conocida por sus macarons, sus chaussons aux pommes…) elaboró piezas de repostería para la película.

El diseño de las salas, el de vestuario junto a la confección de los dulces y la interpretación de Kirsten Dunst crean el ambienta aniñado que la directora quería mostrar, ya que María Antonieta llegó de Austria a Versalles siendo una niña.

DATO EXTRA: ¿Sabes quién era Rose Bertin? Cuando acabes la lección haz click en este enlace. Creo que te gustará.

 

La Revolución Francesa fue un momento de muchos cambios en el vestuario de la población, como el comienzo del uso del pantalón, por parte del pueblo, los sans-culottes, para separarse de las mallas que utilizaban las clases altas.

La ropa se utilizó como elemento de protesta, de pertenencia a un grupo que reivindicaba derechos de igualdad.

Si te interesa ampliar tus conocimientos sobre cómo la moda se ha utilizado para reclamar igualdades, busca en Internet o libros, o escríbeme a esta dirección de correo mariagondar@cruzcostacostura.com, y estaré encantada de compartirte enlaces de interés.

 

CHRISTIAN DIOR. 

Comenzó como diseñador para cine, participando en 8 películas antes de sacar su primera colección. (Haz click para más información)

Realizó, por ejemplo, el vestuario de Marlene Dietrich en ‘Stage Fright’ (1947), de Alfred Hitchcock,

 

MARC BOHAN PARA DIOR.

Tras la muerte de Christian Dior en 1957, le sucedió Yves Saint Laurent, quien no llegó a encajar en la marca, por ser rompedor e innovador y salirse de las siluetas ceñidas y cortes de la Casa Dior. En 1958 fue destituido y entró Marc Bohan, quien, a pesar de no ser tan célebre como otros, estuvo casi 30 años al frente de la firma y quien debutó en 1961.

Si no has visto Arabesque (1966), de Stanley Donen, con Sofia Loren y Gregory Peck, te la recomiendo. Bohan vistió de lujo a Sofia Loren en esta película, y sumado a la interpretación de dos grandes del cine, a la arquitectura que se muestra en la película, es un clásico más que recomendable.

IRENE SHARAFF

Fue la diseñadora de vestuario de Elizabeth Taylor en Cleopatra.

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DAN LAWSON PARA THE GOOD WIFE Y THE GOOD FIGHT.

Tanto para la finalizada serie The Good Wife como para la actual The good Figth, Dan Lawson, diseñador de televisión muy apreciado, es el jefe de vestuario. Es el rey de las working girls de lujo. Soy admiradora del personaje Diane Lockhart, interpretado por Christine Baranski, y de las prendas que luce.

Es una serie de abogados en cuya cabecera hacen estallar el famoso bolso Birkin de Hermès.

Dan Lawson crea y utiliza también vestuario de otras marcas, como Fendi o Karl Lagerfeld.

Como te explicaba anteriormente, el jefe de vestuario también puede adquirir prendas de otros. Sin embargo, como veremos a continuación en el apartado dedicado a los Premios Oscar, verás que para ganar uno es necesario que el diseñador principal haya concebido la indumentaria.

 

PREMIOS OSCAR.

El Oscar al Mejor Diseño de Vestuario se otorga desde 1949, a las películas filmadas en 1948. En principio había dos categorías: color y blanco y negro; hasta que se fusionaron en 1967.

El vestuario debe ser concebido por un diseñador. Y las nominaciones son para el diseñador o diseñadores principales. Las 5 películas más votadas se convierten en nominadas.

Edith Head fue la diseñadora más galardonada. En 1974 consiguió su 8ª estatuilla, y para 1978 contaba con 35 nominaciones en su curriculum.

Edith Head inspiró el personaje de Edna Moda de la cinta animada Los Increíbles.

Algunos de sus vestidos más icónicos se vieron en películas como:

–Sabrina, con Audrey Hepburn, en colaboración con Givenchy.

-Recuerdo de una noche, vistiendo a Barbara Stannyck

-La ventana indiscreta, con vestidos para Grace Kelly

-Vértigo, con el famoso vestido negro de Kim Novak

Las más galardonadas vivas son Milena Canonero (antes mencionadas por su trabajo en María Antonieta) y Collen Atwood, ambas con 4 premios.

TUS EJERCICIOS.

A continuación dejo un PDF descargable de dos páginas, para guardar o imprimir.

En la primera verás las indicaciones para realizar tu ejercicio de Diseño de Cine. Todos los pasos que debes seguir.

En la segunda, la técnica de aplicación de color que vamos a utilizar hoy. Imprímela y guárdala, o apúntala en un cuaderno. Sería interesante ir guardando las diferentes técnicas que vamos a ir viendo durante el curso. Sin embargo, recuerda que tú eres quien manda.  Como en todas las disciplinas artísticas es importantísimo conocer los métodos y materiales que hay, saber aplicar color y crear texturas, luces, sombras, brillos, que provoquen emociones.

Veremos cómo colorear con rotuladores (marcadores), lo combinaremos en ocasiones con lápices de color, lápices tipo pastel, acuarelas, esmaltes, rotuladores finos calibrados para perfilar y enfatizar…

Cuando tengas todo este conocimiento, escogerás libremente cómo dar color, qué siluetas utilizar, cómo mezclar las técnicas a tu antojo para conseguir expresarte.

 

Trabaja mucho y nos vemos en la siguiente lección; pero antes de que esto se acabe, te dejo un adelanto y también uno de los trabajos de uno de los compañeros que está siguiendo el curso (¡Gracias, Luis Daniel Fer Fermín, por tu constancia y esfuerzo!)

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Como adelanto, piensa en tu cantante preferido. Da igual hombre o mujer. En los diseños que lleva durante sus actuaciones. Trabajaremos sobre esto en la Lección 9.

 

 

 

 

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CURSO DE DISEÑO E ILUSTRACIÓN DE MODA. LECCIÓN 7: EL COLOR.

EL COLOR EN EL DISEÑO DE MODA

En primer lugar, ¿qué tal te ha ido en la lección anterior de Morfología aplicada al Diseño de Indumentaria? Espero que hayas sacado provecho de ella y que empieces este nuevo tema con ganas, ya que no es menos importante.

 

Un diseñador debe conocer las sensaciones que producen los colores. Tanto si se dedica al mundo de la moda, como al diseño industrial, gráfico, si es un decorador… La elección condicionará la percepción que se tenga de su producto o creación final.

 

Como siempre, al final de este post, podrás descargarte tus ejercicios, siguiendo los puntos desarrollados.

¡Arrancamos!

¿QUÉ ES EL COLOR?

Nos estimula, nos da energía, nos alegra, nos pone tristes, nos agobia, nos da sensación de calor o de frío, de frescura, de contacto con la naturaleza. 

La gama de amarillos, naranjas, rojos son colores cálidos, que nos recuerdan al sol, al fuego, al corazón (pasión, amor).

Los azules, turquesas, blancos… son colores fríos que asociamos a la nieve, al agua, al mar, la humedad, la frescura…

Los verdes y marrones nos transportan a la naturaleza: plantas, jardines, campo, madera, verduras, salud, vida sana, natural…

Sin embargo, a pesar de pertenecer a un grupo determinado, un color puede dar la sensación contraria, según la proporción de mezcla que lleve de otros colores. Por ejemplo: un azul, color frío, puede dar la sensación de calidez, según la proporción de amarillo (cálido) que lleve en su mezcla. 

 

“SIEMPRE TENGO LA ESPERANZA DE ENCONTRAR ALGO ALLÍ DENTRO, EN EL ESTUDIO DEL COLOR” (Vincent Van Gogh)

BLANCO: simboliza la pureza, la paz, la inocencia, el optimismo. Purifica la mente.

NEGRO: el negro representa la elegancia, el poder, la autoridad. Es clásico, conservador, misterioso.

 

SIGAMOS ANALIZANDO ALGUNOS COLORES: 

AMARILLO LIMÓN: al ser amarillo es estimulante mental. Expresa luminosidad, innovación. Da mucha fuerza. Y contiene un refrescante y ácido toque verde, que suscita bienestar.

AMARILLO INTENSO: es estimulante mental. Expresa luminosidad, innovación. Da mucha fuerza.

NARANJA: expresa el entusiasmo, suscita energía, vitaminas, alegría. Representa la pasión como el rojo, aunque es más juvenil y divertido.

ROJO: lo asociamos a pasión, amor (es el color de la sangre), seducción, energía, pero también peligro, a la prohibición.

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VERDE MENTA: posee el vínculo del verde con la primavera, naturaleza, la ecología, con la esperanza, curación, la vida sana y la armonía. También la frescura intensa de la menta, lo que lo hace útil para el agotamiento. Revitaliza el espíritu.

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AZUL CARIBE: este turquesa es refrescante, relajante. Evoca limpieza, descanso, paraíso. Deja atrás los agobios, por eso es recomendable para el estrés y el cansancio.

AZUL MAR: al ser una mezcla de dos colores contiene la frescura, limpieza y frío del azul, y la vinculación a la naturaleza, a lo ecológico y a la armonía, la vida sana y el bienestar del verde. Simboliza la tranquilidad, el éxito, la autoridad y la inteligencia, la esperanza y el equilibrio emocional. Tranquiliza la mente, disipa temores.

AZUL COBALTO: también llamado azul noche y evoca el mar, el cielo, la noche, el aire y el agua. También el espacio, la lejanía, el infinito. Color del conocimiento y la serenidad.

LAPISLÁZULI: es un azul muy intenso, vivo, fresco, asociado a la parte intelectual. Frío, lo que ayuda a que las personas se sientan relajadas y tranquilas. Es el color de la confianza y simpatía. Simboliza la fidelidad y la utopía.

AZUL MARINO: evoca el mundo náutico, se vincula a lo clásico, sofisticado, serio, formal, aunque más relajado que el negro, y por eso es muy utilizado en ambientes de trabajo. Además, como los tonos beige o arenas, combina con casi todos los colores.

MASCULINO Y FEMENINO, ¿QUÉ OPINAS?

CAFÉ: color que representa la tierra, la naturaleza, la madera, lo rústico. Da calidez y neutralidad. Se asocia a la masculinidad y a la humildad. Es severo y confortable. Se asocia con la resistencia, la confianza.

 

GRIS CEMENTO: el gris es un color neutro, asociado a la estabilidad, la creatividad y simboliza el éxito. Es el color de la reflexión, la objetividad, el intermedio entre blanco y negro. La materia gris del cerebro se asocia al procesamiento de la información, al razonamiento. Es el color de las canas, la madurez y serenidad. Nos recuerda al cemento, la construcción…

LAVANDA: el color del equilibrio, del romanticismo, la imaginación, el capricho y la fantasía.

PÚRPURA: el color del lujo, la sofisticación, la ambición. Tiene propiedades opuestas de la mezcla de rojo y del azul: la calidez y energía de uno y la estabilidad y el frío refrescante del otro. Es el color de la sensualidad.

ORO: representa la fortaleza y el poder.

ROSA: vinculado a la feminidad, a la dulzura, el cariño, amor y protección. Es suave. Es el color del plumaje de los flamencos. También el color de lazo usado para crear conciencia del cáncer de mama.

FUCSIA CLARO: expresa energía, expresividad, personalidad, ya que es un color atrevido. Incita al lado artístico. Es vital y alegre, divertido.

FUCSIA INTENSO: expresa energía, expresividad, personalidad. Incita al lado artístico. Es vital y alegre, divertido. Representa la pasión profunda.

 

EL COLOR EN MODA

¿Quién escoge los colores de temporada?

Desde el año 1960, aproximadamente, varios grupos de especialistas se reúnen para escoger esos colores que se convertirán en tendencias de moda. Por ejemplo, dentro de la empresa PANTONE (fundada en New Jersey en 1962), directivos y unos 40 expertos, que realizan una investigación sobre películas que se están rodando, videoclips, arte, colores importantes en ese momento para grandes empresas… Juntos escogen una familia de color, hasta llegar a un color concreto, al que le dan nombre. Esta elección influirá no sólo en Moda, sino también en las imágenes corporativas de muchas empresas, en publicidad, maquillaje, equipaciones deportivas…

El color escogido para este año 2019 ha sido el Living Coral. 

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¿Es todo esto importante?

Reflexiona en lo siguiente: cuando la gente quiere saber qué tendencias vendrán para las próximas temporadas, ¿qué suele preguntar en primer lugar?

“¿Y QUÉ COLORES SE VAN A LLEVAR ESTA TEMPORADA?”

¿Ves? Eso te da una respuesta a la importancia de la selección de colores.

Sin embargo, no es algo obligatorio. Como creador, es tu elección seguir tendencias o utilizar los colores que te apetezcan, en función de tus gustos, de tu imagen de marca, de las preferencias de tus clientes, de cómo te sientas en el momento de crear…

 

EJERCICIOS:

1. Como primer ejercicio, te propongo analizar un color. 

Escribe en una hoja un esquema o crea un collage con imágenes, conceptos, emociones, animales, plantas, piedras preciosas, paisajes, etcétera, vinculados a él.

A modo de ejemplo he analizado el color rosa estándar. Haz click sobre la imagen para descargarla.

Y este panel nos servirá como inspiración para crear una prenda:

 

MEZCLA DE COLORES:

2.- Como segundo ejercicio, te propongo crear ahora una pequeña colección: 3 ó 4 piezas. Escoge un tema o inspiración y crea una gama o paleta de color. Pueden ser colores de la misma gama, aunque te animo a mezclar, arriesgándote un poco. La mini-colección puede ser parte de una colección crucero, ropa para oficina, unos uniformes para una empresa, trajes de noche o gala, lencería, trajes de baño… Lo que más te apetezca.

Como estás iniciándote en esto, no te recomiendo hacer una carta demasiado grande. Escoge entre 3 y 6 colores. Por ejemplo, si te inspiras en un pintor, escoge algunos de sus colores más representativos, o los que se muestren juntos en una obra.

Puedes entrar en la web de Pantone y escoger tonos, apuntando sus nombres y códigos.

AYUDITA EXTRA: 

Te dejo un par de galerías de imágenes como inspiración, para que veas cómo se pueden seleccionar colores de formas muy sencillas, aunque a estas alturas del curso, seguro que ya has cogido soltura y ya sabes cómo buscar inspiración.

PALETA DE COLOR 1: LA HABANA (CUBA)

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¡Imagínatelo! Con esta paleta de color podrías crear una colección de vestidos veraniegos, ropa de deporte, los vestidos para tu cantante preferido, que, por ejemplo, podría rodar un videoclip en esta ciudad.

Busca siempre opciones, crear de forma diferente, para personas distintas. Aunque en un futuro te dediques a un público en concreto, está bien dejar volar la imaginación durante el aprendizaje, analizar otros mundos y descubrir tu creatividad, desafiar tu potencial como diseñador.

PALETA DE COLOR 2: DULCES ITALIANOS

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Intenta, ahora, buscar ahora tu propia gama. Ya ves que puedes encontrarla en cualquier parte: en una poesía, en una ciudad, en la cocina de tu región, en una tribu exótica (busca imágenes de las tribus del Valle del Omo en África, o la tribu Himba, de Asia o del Amazonas…)

Y, finalmente, descárgate la ficha de ejercicios haciendo click en la siguiente imagen.

 

Y envíame a esta dirección de correo los ejercicios que te desees comentar o corregir:

mariagondar@cruzcostacostura.com

Como adelanto del próximo tema,

nos pondremos en la piel de un diseñador de vestuario escénico.

Si tienes alguna película favorita de época, te animo a verla con otros ojos, dándole importancia al Diseño de Vestuario y a la Historia del Traje. Trabajaremos sobre eso.

Mientras tanto, ¡CONCÉNTRATE EN EL COLOR, Y DEJA QUE TE INSPIRE!

 

Un saludo.

María Gondar.

 

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CURSO DE DISEÑO E ILUSTRACIÓN DE MODA. LECCIÓN 6: MORFOLOGÍA APLICADA AL DISEÑO DE INDUMENTARIA

 

Curso de Diseño e Ilustración de Moda. Lección 6: MORFOLOGÍA APLICADA AL DISEÑO DE INDUMENTARIA.

Como introducción me gustaría decir que la lección de hoy es para aplicar al Diseño de Moda, con la intención de crear figuras más equilibradas, pues es algo que debe dominar un creador de este tipo; pero no se trata de un artículo superficial para juzgar los diferentes tipos de cuerpos, ni para señalar que haya nada que esconder o disimular y de lo que acomplejarnos. El cuerpo que tenemos, cada uno de nosotros, es el que nos ha tocado, no ha sido una elección. Si bien es cierto que podemos modificarlo, mantenerlo en forma, combinando deporte, dieta sana, etc., hay formas que no podemos cambiar. Y no hay que darle más importancia. La vida es fantástica, por momentos muy dura; así que es una lástima sufrir por nuestra altura o medida de cadera.

Aclarado esto, pasemos al tema:

3, 2, 1, GO!

Estoy segura de que has escuchado o leído alguna vez que alguien tiene cuerpo de reloj de arena, cuerpo en forma de pera o triángulo… Hoy terminarás esta lección sabiendo claramente qué es un cuerpo en forma de triángulo invertido y cómo vestirlo para que se vea favorecido. Porque, en ocasiones, creemos, erróneamente, que a un tipo de cuerpo no le sentarían bien cortes o prendas que sí lo hacen, y viceversa.

 

Es deber del diseñador conocer el cuerpo humano: sus diferentes tipologías, para que las prendas sean cómodas, favorecedoras. 

De poco sirve crear formas bellas, artísticas, que no se puedan utilizar, o que sienten mal. Hay más factores a tener en cuenta que los estéticos, como son la comodidad (posibilidad de movimiento), la durabilidad, el contexto en el que se va a utilizar una prenda…

Una persona que se siente bien vestida, ganará seguridad, confianza. Querrá volver a ponerse esas prendas, y hará que vuelva a ti como diseñador. Es importante que des a tu cliente lo que necesita, aunque no lo sepa hasta que se vista y lo sienta. Un trabajo responsable es el que piensa en el resultado final, en cómo se sentirá la persona una vez vestida, y no simplemente en las formas, en tu ego artista, en tus capacidades creativas vacías de significado o intención.

No eres un artista. Eres un diseñador de moda. ¿Comprendes la diferencia? La diferencia entre ambos es un gran debate abierto. Algunos dicen que el arte inspira y el diseño motiva; que el arte hace pensar y que el propósito de un diseño es comunicar un mensaje. Resumiendo, arte y diseño tienen en común la creatividad, la inspiración. El arte precisa del diseño, del proyecto. Pero tu diseño de moda requiere algo más.

 

¿Qué es la Morfología?

Es el estudio de la forma, y se aplica en todas las disciplinas de Diseño: industrial, de mobiliario, arquitectónico y, cómo no, en diseño de vestuario.

Según la RAE, la Morfología, en el campo de la Biología, significa:  parte que trata de la forma de los seres orgánicos y de las modificaciones o transformaciones que experimenta.

Cada cuerpo es diferente, -y además se nos va modificando a lo largo de la vida-, lo que hace que no todos los diseños sienten igual a todo el mundo. A unos se le acumula lo que engordan en la zona de la tripa, a otros solamente en las caderas o muslos, los hay que siempre están delgados, y los que no tienen forma de cintura, por ejemplo.

¿CÓMO SE APLICA EN EL DISEÑO DE INDUMENTARIA?

Un profesional de la Moda debe saber reconocer las estructuras corporales, para poder decidir cómo vestirlas.

Debe saber qué escotes producen un efecto visual que alarga y afina, cuáles hacen más pecho; qué cortes hacen el talle más largo o los que estrechan o, por el contrario, ensanchan la figura…

Quiero que conserves una copia de estas nociones, que la imprimas o conserves en tu ordenador, que las tengas a mano para cuando necesites consultarlas, sin necesidad de buscar esta lección en el blog -aunque está bien releer de vez en cuando-; así que he creado una ficha en PDF.

Y si aún no tienes una carpeta con apuntes importantes para diseño, creo que a estas alturas del curso, es importante que te hagas con una y comiences a guardar este tipo de cosas. Te recomendaría carpetas físicas, y carpetas digitales. Siempre está bien tener copias importantes en papel, por si algún archivo se nos pierde.

 

¿A qué debe prestar atención el diseñador?

Viendo la imagen anterior, -esos cuerpos llamados pera, manzana, reloj de arena… para que se nos haga fácil comprender la silueta-, un diseñador debe prestar atención a desproporciones llamativas, e intentar resaltar otras zonas, que compensen el desequilibrio y hagan una figura más armónica.

No voy a hacer todos los cuerpos, porque eso forma parte de tus ejercicios (al final de la lección) para que tu puedas trabajar; pero como ejemplo voy a analizar dos tipos de silueta, y diseñar una prenda ejemplo.

Cuerpo en forma de pera o triángulo invertido. 

Los hombros son más estrechos que la cadera, el pecho es pequeño. En algunos casos, la desproporción es escasa, pero en algunos ocasiona algún problema para vestirse, si se trata de vestidos, por ejemplo. Cuando se trata de dos piezas, se soluciona fácilmente comprando dos tallas diferentes para parte superior e inferior.

¿A qué habría que dar valor?

A la cintura, a la parte superior…

Muchas mujeres piensan que ajustando mucho las prendas a las caderas, parecerán menos anchas, y tienen miedo de dar volumen a esa zona, y que parezca mayor.

Al contrario, una falda en forma de A, incluso con mucho vuelo, oculta el ancho real de caderas y muslos y ayudaría a remarcar la línea de la cintura. También faldas con godets, faldas lápiz (que alargan la figura).

La parte superior se puede revalorizar con escotes palabra de honor, asimétricos , escotes que hagan los hombros más anchos (barco, corazón). Estampados, encajes, lazos, flores, adornos, también mejor en la parte superior.

Los pantalones, de tiro medio o alto. Sin bolsillos sobre las caderas.

Hay quien prohíbe los leggins para este tipo de cuerpo. ¡Prohibido prohibir! Beyoncé encaja en este tipo de figura, y nadie le prohibiría llevar mallas. Es cierto que señalan más las caderas, pero, dependiendo del ancho, si el desequilibrio entre parte superior e inferior es muy exagerado, se puede equilibrar con alguna prenda más suelta y larga en la parte superior, que caiga sobre las caderas, restando un poco el acento. Se trata aplicar la creatividad de forma que produzca efectos ópticos correctivos o que realcen, no de vetar prendas.

 

En el PDF que he dejado para descargar, encontrarás líneas de prendas y escotes que alargan, ensanchan, afinan, acortan… Así, dependiendo de la intención, del efecto que desees conseguir, podrás jugar con ellas.

Cuerpo manzana u ovalado. 

Hombros redondos, más anchos o iguales que la cadera. La grasa se acumula en la zona abdominal y en las caderas, creando una silueta redondeada. El pecho suele ser grande y los brazos gruesos.

¿Qué voy a diseñar para esta figura?

Un vestido de novia.

 

Analicemos la foto: 

El vestido lleva dos cortes verticales que alargan la figura, la estilizan. El corte horizontal en forma de curva, estrecha.

Muchas mujeres con los brazos gruesos, no los quieren llevar descubiertos en su boda. Una opción podrías ser estas mangas de organza blanco roto (transparente). Sobre los hombros he dejado una zona al aire, cubierta con tul “segunda piel”. Esto crea un corte. Separa escote de brazos, rompiendo la forma redondeada. Se crea un falso Escote Halter, apropiado para hombros anchos, ya que los armoniza. Este escote realza las curvas, reduce un pecho abundante.

Te toca ponerte a trabajar. 

Ahora te pregunto: ¿Cómo es un cuerpo columna? ¿Cómo lo definirías? ¿Qué resaltarías? ¿Qué tipo de vestido, pantalón, etc. diseñarías para esta tipología?

Tu tarea:

Es el trabajo que te dejo encargado. Descárgate la ficha ejercicio en PDF y ten a mano las 8 hojas que te he dejado al principio de la lección. Hemos visto tipologías para pensar y diseñar. Escoge una, escoge tres, cuatro… Las quieras, o puedas, según el tiempo del que dispongas.

Puedes coger alguna fotografía de una modelo, celebrity, tuya. Lo primero que harás será describir la figura. Los hombros son más anchos que las caderas, no tiene una cintura marcada, etc.

De cada tipología que escojas, crearás un vestido, una falda y un pantalón, al que añadirás una breve descripción o anotaciones sobre la ilustración.

Diseño de lencería: 

Sé que hay una persona que está haciendo el curso porque quiere aprender a diseñar lencería. A ti te animo a diseñar 2 piezas de ropa interior para 2 tipologías corporales:

1.- un body  (swimwear) para cada morfología.

 

2.- un sujetador con salto de cama (negligee)

 

Y a todos, gracias por seguir el curso, por vuestros emails privados en los que me contáis qué os gusta del diseño y por enviarme vuestros ejercicios.

Espero ver vuestras creaciones con diseños adaptados a la morfología femenina.

 

Un abrazo.

María Gondar.

 

 

 

 

 

 

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CURSO DE DISEÑO E ILUSTRACIÓN DE MODA: VESTIDO DE NOVIA HINDÚ

Curso de Diseño e Ilustración de Moda: VESTIDO DE NOVIA HINDÚ.

 

¡SACIEMOS TUS GANAS, Y LAS MÍAS!

Sé que tienes ganas de diseñar e ilustrar alguna prenda de fiesta, un diseño de alta costura. En las lecciones anteriores has aprendido a buscar inspiración, a dibujar tus propios figurines, con pequeños trucos para hacerlos más esbeltos, darles movimiento, etc. ¡Y ahora quieres más!

Te apetece muchísimo hacer una ilustración bien bonita para enmarcar en tu cuarto, en tu taller de costura, para regalar o para colgar en tus redes sociales. 

¡Te comprendo!

¡Pues hoy es tu día! Me gusta que estés con ganas. Y si no te lo habías planteado, ahora las estás teniendo. Estás siguiendo este curso para diseñar e ilustrar figurines de moda de alta calidad.

Cuanto más dibujas o diseñas, aumenta tu deseo de mejorar, de hacer cosas más bellas, más elaboradas, en las que se demuestre que tienes talento, que eres creativo, paciente, que pones lo mejor de ti.

Vamos a trabajar en esta lección la representación de materiales de lujo: tejidos de alta gama, bordados, joyas… 

Y al final de la lección, dejaré tu tarea para que la descargues y me la envíes por email, o si quieres que trabajemos con Google Classroom, me avisas por email, te agrego y podrás subirme tus ejercicios para corregir siempre que quieras, y en cuanto pueda, te contestaré.

VESTIDO DE NOVIA HINDÚ

He diseñado y dibujado muchísimas novias, pero nunca una hindú; así que he decidido que, ya que me apetece desde hace mucho, ha llegado el momento y así puedo compartirlo contigo.

¿Por qué no he ilustrado nunca una novia hindú? Porque me da miedo hacerlo mal. Son vestidos maravillosos y complicados, llenos de bordados, de joyas, y me preocupa hacer una ilustración horrible, en la que no se aprecie realmente la calidad de sus trajes. Que en vez de un vestido rojo con bordados dorados, parezca un simple estampado rojo y amarillo.

Así que esta lección la voy a hacer como alumna, explicándote sinceramente todos los pasos que voy a seguir para llevarla a cabo. Y si te gusta el resultado, puedes seguirlos y hacer esa ilustración y diseño que tanto te apetecen, pero que también te da miedo afrontar. Y si no te gusta mi resultado, sin hacerme llorar, por favor, también puedes comentármelo, para mejorar.

Voy a dividir en dos partes este trabajo, ya que apenas conozco la cultura hindú, sus ceremonias de matrimonio, rituales, tradiciones, historia del vestido, si hay diseñadores o marcas famosas en este país que los realicen.

PRIMERO:

investigación previa. O sea, leer mucho y ver muchas fotos.

He encontrado mucha información, y voy a hacerte un breve resumen:

El Lehenga Choli

También Ghagra Choli o Chaniya Choli, según la zona geográfica) apareció durante el imperio mogol. Es la prenda más popular utilizada por las novias (otra opción es el sari), y es utilizado también por las mujeres de ciertas regiones de la India (en el Norte de Gujarat, en Uttar Pradesh, Rajasthan, Kerala, Tamil Nadu) y en Pakistán.

Está compuesto por el lehenga (ghagra o chaniya), que es una falda que puede tener diferentes cortes (campana, sirena, recta…); el choli, que es un top ajustado (puede ser corto o largo) y la dupatta, un chal de unos dos metros y medios, que en el caso de las novias, es un velo.

Los lehenga de novia suelen ser de color rojo, porque simboliza la fertilidad, con pedrería y bordados.

¿Conoces el bordado zardozi?

Es el bordado más importante de la India, mundialmente conocido. Se borda con hilos de oro y plata, aunque también con otros metales, como el cobre, para que pueda ser asequible.

Se confeccionan normalmente en seda, chiffon, georgette…

 

Las novias llevan sus manos y brazos pintados con henna, y un gran número de joyas.

¿QUIÉN ES ANITA DONGRE?

Es una diseñadora de moda de bodas de lujo de Mumbai, nacida en 1989. Se inspira en la moda de Rajasthan y otros pueblos hindús y se ha convertido en un referente en su país.

Si te interesa realmente el diseño, después de esta lección, te aconsejo echar un vistazo en su web: anitadongre.com o su Instagram.

SEGUNDO:

ejecución del diseño e ilustración. Aunque me inspire en los diseños hindús, no quiero copiar el de nadie, y con todo el respeto del mundo, voy a intentar diseñar uno propio, y como me estoy viniendo arriba, voy a atreverme también con un modelo para hombre.

Primero he dibujado la pareja con dos figurines de 8 cabezas de altura, con un lápiz duro 2H. Co rotuladores Promarker y Brusmarker de Winsor and Newton he comenzado a dar color, desde abajo hacia arriba; pero esto no es importante. Empieza por donde más rabia te dé. Con un rotulador Edding color oro he ido dibujando las partes bordadas. Y despúes he ido añadiendo sombras, luces. Recuerda poner sombras bajo los bordados, para remarcar el relieve. 

Los brillos dorados los he dibujado con dos esmaltes de unas dorados. Y con stickers de brillos, he ido pegando cristalitos en la falda, el collar y los adornos de la cabeza.

El velo transparente lo he dejado para el final. Primero he dibujado suave lo que se ve debajo, en tonos suaves. A continuación, he aplicado una sombra de ojos dorado, extendiéndola con el dedo. Y para rematarlo, el brillo de uñas transparente con purpurina dorada, para conseguir el efecto del velo brillante.

El chico: 

El traje del novio está coloreado con el Edding color oro. Encima he puesto sombras, pliegues… He dibujado a lápiz unas aplicaciones, y con el esmalte oro, e dado unos toques. El collar de piedras y el turbante llevan el color de la cenefa del lehenga y de la dupatta, o sea, de la falda y del velo.

Si te fijas, a cada piedra del collar le he dibujado una pequeña sombra, para dar volumen.

Presta atención a estos detalles en tu ilustración. Si te parece complicado, analiza fotos de moda, busca las sombras, las zonas en las que el tejido es más oscuro, o blanco por el brillo. Puedes crear el sombreado con un lápiz blando, con un lápiz de color negro o gris, con colores de la misma gama que los que uses para las prendas, pero en tonos más oscuros… 

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Y dejo aquí un pequeñito enlace a un vídeo en el que aplico esmalte sobre la ilustración ya terminada. Nunca había grabado vídeos dibujando, así que me disculpo por la brevedad, y escasa calidad. Me he propuesto grabar vídeos más extensos y mejor enfocados para que puedan servir de ayuda a las personas que siguen el curso. Ya me comentaréis si os apetece.

¡ESTOY FELIZ!

Antes de despedirme y dejarte tu tarea para descargar, me gustaría dar las gracias a todas las personas que se están apuntando al curso, que me han escrito para contarme por qué les interesa el diseño e ilustración de moda. Los motivos, edades, países de participantes son muy distintos. Me hacen muy feliz vuestros correos electrónicos contándome quiénes sois, qué necesitáis aprender, para que vayamos adaptando las lecciones a los intereses de todos, y que me enviéis vuestros diseños para comentarlos, ejercicios.

CONTENIDO EXTRA PARA LOS SUSCRITOS:

Y como agradecimiento a todas las personas que me enviáis vuestras direcciones de correo, os iré enviando contenido extra, además de las lecciones del blog: ejercicios, ampliaciones de lecciones…

 

Ahora sí me despido, y te dejo trabajar:

TU TAREA PARA DESCARGAR: 

¡Espero vuestros diseños!

Y si te interesan los vestidos de novia, y quieres saber más sobre su historia o las tendencias para este 2019, te dejo los siguientes enlaces:

Se casa mi prima

 

HISTORIA DEL VESTIDO DE NOVIA

 

 

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CURSO DE DISEÑO DE MODA: ILUSTRACIÓN DE FIGURINES 3: REPRESENTACIÓN DE TEJIDOS Y TEXTURAS.

Curso de Diseño de Moda: ILUSTRACIÓN DE FIGURINES DE MODA CON REPRESENTACIÓN DE TEJIDOS Y TEXTURAS.

Como adelantaba en el post anterior, en esta lección vamos a comenzar a dar color a nuestros figurines y dibujando los tejidos presentes en el diseño. Representaremos:

• tejido Harris tweed escocés
• lana
• pelo (piel)
• charol
• lentejuelas
• transparencias
• piel animal

Lo haré combinando los diferentes técnicas de color y sombra, además de los diferentes tejidos y texturas sobre dos estilismos de calle para mujer y un traje sastre para hombre.

AL FINAL DE LA LECCIÓN PODRÁS DESCARGARTE UN PDF CON UN EJERCICIO DE DISEÑO Y REPRESENTACIÓN DE TEXTURAS. 

Puedes probar repitiendo estas texturas, o probar con otras nuevas: fotos de Internet, revistas, prendas o muestras de tejidos que tengas por casa. Por ejemplo, en vez del cuadro Harris tweed, puedes optar por un cuadro Vichy, por un tartán; puedes buscar piel de diferentes animales: cebra, avestruz, leopardo, serpiente…

No es necesario que lo hagas siempre sobre un figurín. Te aconsejo que, siempre que vayas a aplicar un tejido sobre una ilustración, hagas primero muestras en otro papel. DESCÁRGATE la siguiente plantilla para imprimir.

 

Me encantará si quieres enviarme una hoja con varias muestras, para corregir o guiarte; o, incluso, alguna prenda o figurín en la que hayas trabajado algún tejido.

Envíalo a esta dirección de correo: mariagondar@cruzcostacostura. En cuanto pueda, te contestaré.

 

¿QUÉ MATERIALES NECESITAS?

Comienza con un dibujo a lápiz, muy claro. Mejor con un lápiz duro, 3H ó 2H, que no manche el papel, y bien afilado, para hacer trazos muy finos que no dejen rastro cuando se le aplique encima el color, y una goma de borrar.

Para dar puntos de luces y sombras te vendrá bien un lápiz blando 2B y un Rotring o rotulador negro Staedler 0,05 o 0,1. Con ellos daremos pequeños trazos o toques, muy sutiles, en zonas que queramos resaltar, dar volumen o sombras.

Puedes dibujar con cualquier tipo de colores. Si estás empezando, no hace falta que te compres todo el arsenal. No te preocupes si al principio no tienes unos buenos marcadores de muchos colores… Tendrás que hacer tú mismo las mezclas, con lápices de colores, acuarelas, etc. Se puede hacer una ilustración fantástica con un sólo lápiz, o añadiendo uno o dos colores. Yo iré diciéndote qué uso, para que conozcas diferentes técnicas y posibilidades; pero no tener mucho material no es una buena excusa para dibujar.

En las ilustraciones de esta lección he utilizado rotuladores o marcadores Promarker y Brusmarker de Winsor&Newton, lápices de colores de Faber Castell, algunos tipo pastel, o sea, que se pueden difuminar (de Conté à Paris), y pasteles Rembrandt

Karl Lagerfeld, entre otros, utilizaba sombras de ojos en sus bocetos. Puedes aplicarlas con un dedo y difuminar, o con cepillitos de maquillaje como el de la foto. Yo los utilizo mucho cuando necesito hacer tonos beige, dorados con algo de brillo, marfiles o pasteles.

También perfiladores de labios o delineadores de ojos en lápiz. Como suelen contener cierto brillo, como muchos tejidos, dan un acabado muy interesante a las ilustraciones.. Pero, atención: hay que difuminarlos siempre, para que se sequen y no quede sobre el papel una textura pegajosa que pueda manchar toda la lámina.

Con esmalte de colores y palillos de madera, puedes hacer puntitos que simulen pedrería, cristales, perlas, brillos.

Y si salpicas purpurinas metalizadas encima, mientras el esmalte está líquido, el brillo se intensificará. Al final de la lección encontrarás un vídeo con este proceso sencillo, que dará un toque muy luminoso a tus ilustraciones.

Otra opción es pegar stickers de brillos, como esos que se venden para decorar las uñas, móviles, etc.

 

PRIMER TEJIDO: HARRIS TWEED.

 

 

 

 

 

 

 

 

Antes de pasar a representar el tejido, te recomiendo buscar información sobre él, y, si tienes tiempo, cubrir una ficha como la que te he dejado hace un momento. Buscando para qué se utilizan los materiales, sabrás emplearlos adecuadamente, y quizás se te ocurra algún nuevo uso interesante.

El Tweed es un tejido de lana originario de Escocia (su nombre proviene del río Tweed). Existen diferentes tipos de Tweed: el Harris, el Donegal (irlandés), el Silk (seda).

El Harris Tweed se teje a mano, con lana local, por los habitantes de las Islas de Harris, Lewis, Vist y Barra, en las Hébridas exteriores de Escocia.

 

Se utiliza en prendas tanto de hombre como de mujer, en hogar…

Para esta ilustración he escogido un figurín de hombre. He buscado fotos de modelos con traje sastre, he escogido una y he intentado sacar la figura. Una vez hecha, he decidido alargar la altura del modelo, dibujando las piernas más largas, el tamaño equivalente a la medida de la cabeza que, en mi caso, es de 3 cm.

Como ves, comparando los dos figurines de moda, la copia del real y el alargado, el segundo es mucho más estilizado, esbelto. Hace la ilustración más atractiva.

TÉCNICA DE COLOR:

A continuación he diseñado una muestra de tejido, he dibujado los cuadros a lápiz en la chaqueta, siguiendo los giros del cuerpo y la prenda. Si no eres capaz, busca fotos de “Harris tweed jacket man” en Google. Escoge alguna  fotografía de chaqueta y guíate por ella. Una vez dibujada, le he dad el color de fondo con lápiz de color, para después marcar las líneas de los cuadros con marcadores Promarker y Brusmarker. En las fotos de la galería se ven los nombres de los colores utilizados. Una vez hecho esto, he trabajado las sombras y luces. Primero he perfilado con un lápiz HB, más blando y oscuro, partes del contorno de la chaqueta, pero no todo, para ir danto toques de luz.

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Con un lápiz gris o negro y algunos lápices marrón oscuro y claro, además de lo rotuladores, se va matizando. Intenta seguir fotografías de revistas o internet, para ver bien qué zonas deben estar más oscuras, dónde se forman arrugas en las prendas. Como podrás apreciar en las imágenes, en los lados de la chaqueta, para dar volumen, sobre las líneas horizontales marrones he puesto algo de lápiz oscuro, dejando las rayas un poquito más oscuras.

Por último, he dibujado unos zapatos de charol y ante, dándoles color con el mismo marcador azul y un lápiz en ese mismo tono de Conté à Paris, pastel para difuminar. La luz del charol se crea dejando huecos blancos sin colorear. El blanco del papel es el que crea ese luz y brillo.

El color del pantalón lo he aplicado con sombra de ojos color beige con pigmentos oro viejo. La he extendido con el dedo. Después he perfilado, como la chaqueta, algunas zonas con lápiz, creando ese efecto luz/sombra. Y con un lápiz 2B, blando, he dibujado sombreado, y un difumino para extenderlo. Si no sabes qué es un difumino, o cómo utilizarlo correctamente, una vez que acabes la lección -¡no me abandones ahora!-, accede a este enlace, en el que explican con texto e imágenes, qué es y cómo se usa: http://artpill.blogspot.com/2013/05/que-es-y-como-se-prepara-un-difumino.html

Puedes sustituir el difumino por tu dedo; los lápices blandos y los Contés (pastel) se difuminan con mucha facilidad.

Por último, con un rotulador Staedler Negro punta 0,1 he dado un par de toquecitos en algunos puntos. Pequeñas líneas en zonas oscuras, para dar más sensación de volumen y sombra. Bajo los brazos, en puntos de encuentro de prendas, etc. El trazo debe ser muy fino. Puedes hacerlo también con un 0,05.

 

SEGUNDO TEJIDO: LANA

Sigamos el procedimiento anterior, para convertirlo en un hábito. Aunque todos sepamos qué es la lana y de dónde procede, quizás haya datos que desconozcamos. Estoy segura de eso. La mayoría asociamos lana y ovejas, y no sabemos mucho más. Así que hagamos un brevísimo resumen:

La lana es una fibra natural que se obtiene, mediante el esquilo, de ovejas, sobre todo, cabras, alpacas, llamas, guanacos, vicuñas y conejos. Se sitúa su origen en las aisladas poblaciones del Tíbet, cuna de la cabra cachemira (Cachemire, Cachemira, Casimir, Cashmere). Actualmente China es el mayor productor de lana cachemira, seguida por Mongolia, Afganistán, Irán, Turquía…

Los arqueólogos datan su aparación en el Neolítico.

Se esquila una vez al año, en verano.

A continuación, se lava, y de las lejías de los lavados se pueden recuperar pueden las sales que constituyen la suarda y la grasa de la lana. De esta grasa se extrae la lanolina, utilizada en productos farmacéuticos y de belleza.

La mejor lana de ovejas es la de ejemplares de entre tres y seis años.

Tras su lavado, puede ser teñida.

La lana se clasifica según su finura, longitud, regularidad en el grado de ensortijado y uniformidad; resistencia y alargamiento, elasticidad, flexibilidad, color, brillo y rendimiento.

Es un fantástico aislante térmico.

¿Qué tejidos conoces que lleven lana?

Escocés, mohair, punto, alpaca, tweed, estambre, franela, crepe de lana, veneciano…

 

Para la siguiente ilustración, he creado un diseño en lana. Se trata de un mini vestido en lana calcetada, con mangas en tejido transparente brillos y pelo sintético, combinado con un pantalón, del mismo tejido transparente que la manga, con puño en el tobillo.

TÉCNICA DE COLOR:

Primero he dibujado la textura en un rectángulo. Luego he dibujado un figurín (delantero y espalda), y a continuación he dibujado con un lápiz duro 2H las cadenetas de lana. Después he dado con pastel Rembrandt color violeta suave unos puntos de color con el dedo. Después he remarcado las sombras de estas cadenetas con un marcador Brushmarker rosa pálido, para crear las sombras propias del relieve de la lana tejida.

He coloreado la piel de las zonas transparentes y las que quedan vistas. Y para el pantalón y las mangas, he vuelto a dar toques con tiza pastel violeta, y marcador.

Con lápices de colores he ido matizando y creando sombras. He perfilado ciertas zonas con lápiz blando y oscuro, y con un rotulador Staedler 0,1, muy fino, he perfilado algunas pequeñas líneas, puntos de contraste y sombra.

El colgante y la cinta de la espalda, que sujeta el vestido para que no se abra demasiado, debido a su gran escote en V, están coloreadas con esmalte de unas dorado con purpurina. He utilizado dos tonos diferentes. Lo he aplicado con un palillo de madera alargado, de los que se utilizan en cocina, para brochetas, haciendo pequeños puntitos.

Pon una pequeña cantidad de esmalte sobre un trozo de plástico, metal (la tapa de un tarro), como si fuese la paleta de un pintor. De ahí ve tocando con el palillo de madera, o pincel muy fino, o la punta de un lápiz, y luego aplica sobre el papel. Si quieres aumentar el brillo, puedes espolvorear purpurina sobre el esmalte húmedo, dejar que seque, y soplar para retirar el exceso.

EN LA SIGUIENTE LECCIÓN DIBUJARÉ UNA NOVIA CON APLICACIONES DE ESMALTE, Y TE LO MOSTRARÉ EN UN VÍDEO TUTORIAL, PARA QUE LO VEAS PASO A PASO.

Tómate un descanso y deja secar cada vez que utilices esmaltes, para no ensuciar todo el dibujo.

Son una forma muy buena de representar pedrería y lentejuelas en las ilustraciones de prendas de fiesta, gala, etc.

Casi nunca me pinto las uñas de las manos, sólo las de los pies; pero tengo un arsenal de esmaltes de colores que utilizo para dar estos pequeños toques a las ilustraciones de moda. 

TERCER TEJIDO: PIEL DE CABRA CON ACABADO FANTASÍA:

Las pieles fantasía o grabadas son cueros que imitan la piel de otros animales, como por ejemplo serpiente, cocodrilo, o estampados, gracias a procesos de impresión.

La siguiente piel de cabra que he utilizado para la ilustración, es una muestra real, que he utilizado para una falda de Cruz Costa Costura. Es un boceto personal, y pronto la veréis en nuestras redes sociales. Espero que me digas si se parece al proyecto definitivo o no.

TÉCNICA DE DIBUJO:

Esta presentación la he hecho con Adobe Illustrator. Más adelante veremos un tema sobre cómo dibujar, componer e insertar estampados en Illustrator. Pero por ahora, centrémonos en aprender a dibujar. Paso a paso.

He dibujado un figurín de 9 cabezas, con lápiz duro 2H. Una vez dibujadas las prendas, he dado color a la falda. Primero he dibujado, también a lápiz, de forma esquemática, el estampado de la piel, y después le he dado color con un marcador o rotulador Brushmarker fucsia. Con un rotulador Staedler negro de 0,1 y un lápiz Faber Castell del mismo tono, he vuelto a marcar las manchitas de la piel. Este cuero tiene un acabado brillante; pero esta vez, en vez de dejar zonas en blanco para dar esa luz, como hice con el zapato de charol de la ilustración masculina, he dado un acabado final con un esmalte de uñas blanco. En la fotografía no se aprecia totalmente, pero en la ilustración física, ese esmalte crea un brillo en relieve interesante.

La camiseta está coloreada con lápiz negro, dejando zonas sin colorear para dar puntos de luz: escote, pecho, brazo. Las mangas y el escote llevan un tejido en rejilla negro transparente. Antes de dibujarlo, he coloreado la piel de esas zonas. Después he dibujado la red a lápiz, y por último he trazado unas pequeñas líneas con Staedler negro 0,1.

Por último, las lentejuelas cosidas a este tejido transparente, están dibujadas con puntitos de marcador fucsia y dos esmaltes de uñas: oro viejo y granate burdeos. He utilizado, como te explicaba antes, un palillo de madera. Mojo la punta en el esmalte, retiro el sobrante si he cogido demasiado, y punteo sobre mi ilustración.

En próximas lecciones, trabajaremos con otras texturas.

Pero por hoy es suficiente, porque ahora toca ponerte tarea:

Haz click aquí debajo para descargártela. Cuando la tengas hecha, al completo, o la parte que te haya dado tiempo, envíamela. No sientas vergüenza.

 

En la próxima lección enviaré un vídeo tutorial dando color a una ilustración, para que me veas trabajar.

¡Te espero!

María Gondar.

 

 

 

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CURSO DE DISEÑO DE MODA: ILUSTRACIÓN DE FIGURINES 2: CANON, MOVIMIENTO Y CONTRAPPOSTO

Curso de Diseño de Moda: ilustración de figurines 2: canon, movimiento y contrapposto.

¡Comencemos!

¿Qué vamos a tratar en esta lección?

Nos centraremos en 3 puntos claves para hacer un buen figurín:

 

1º DIFERENTES CÁNONES PARA FIGURINES: 8, 9, 10 y 12 cabezas de altura. Con una FICHA DESCARGABLE GRATIS PARA IMPRIMIR (figurines de 8, 9 y 12 cabezas + hojas de ejercicios)

 

2º FIGURÍN DINÁMICO VS FIGURÍN ESTÁTICO: EN EL MOVIMIENTO ESTÁ LA FUERZA DE TU DIBIJO.

 

2º QUÉ ES EL CONTRAPPOSTO. (Con figurín descargable para imprimir).

 

Y combinaremos estos puntos de ilustración de moda con un poco de Historia del Arte, porque mi intención, es que además de aprender a dibujar, adquieras algo de conocimiento sobre el tema, para enriquecer tu trabajo.

Estoy segura de que, el darte algo de información, te llevará a querer conocer más, a investigar.

Como futuro diseñador de moda o ilustrador NECESITAS ir llenando una especie de cajonera imaginaria en la que almacenarás en un cajón, por ejemplo, las diferentes formas del cuerpo humano; en otros, las técnicas de dibujo, los tipos de prendas y sus cortes, pinzas, aperturas; los diferentes tejidos y cómo dibujarlos; la historia de la moda y de su ilustración… etc. Y hay un cajón, que es muy importante que es el de la inspiración: en él irás guardando todo lo que aprendas, leas o veas sobre arte, naturaleza, historia, tecnología, ciencia, investigación, ecología, diseño, artesanía, y que servirán de base para crear tus diseños. 

Cuando te sientes a diseñar, sabrás a dónde dirigirte, tendrás la capacidad de sacar provecho de todo ese conocimiento adquirido, de los temas que han llamado tu atención, de los detalles que te han parecido fantásticos, etc.

Y si, además, quieres ser un buen ilustrador, es fundamental que domines la forma del cuerpo humano. Como ya sabes, ha sido objeto de estudio desde la Antigüedad; así que te animo a que tú también la estudies: alturas, proporciones, formas de manos y pies en las diferentes poses, movimientos… Hoy comenzaremos con los 3 puntos arriba mencionados, y te animo a descargar e imprimir las fichas para poder practicar.

1.- ¿QUÉ ES EL CANON DE PROPORCIONES?

Canon es un modelo o prototipo que reúne las características que se consideran perfectas en su género; o sea, que el Canon referido a la figura humana, se trata de un cuerpo que reúne las proporciones ideales.

Los antiguos egipcios tomaban el puño de la mano como módulo para todo el cuerpo. Un cuerpo debía tener 18 puños de altura, desde los pies hasta la mitad de la frente. A partir del siglo VII a. C. este canon se amplió a 21 puños, estilizando más la figura.

En Grecia, Policleto estableció las proporciones ideales, utilizando una medida o módulo, que fue la cabeza. Determinó que la medida de 7 cabezas era la altura ideal de un cuerpo humano. Lisipo alargó la figura hasta las 8 cabezas. 

El renacentista Miguel Ángel, utilizó un canon de 7 cabezas y media; y Leonardo Da Vinci, uno de 8 cabezas: el conocido hombre de Vitruvio. Leonardo desarrolló un canon artístico a partir de estudios antropométricos, teniendo como referencia el libro “De Arquitectura”, del arquitecto romano Vitruvius; que, a su vez, se inspiraba en el canon de Eufranor, discípulo del mencionado Policleto.

El pintor Durero empleó una altura equivalente a 9 cabezas en su obra Adán y Eva, que podrás encontrar en el Museo del Prado de Madrid.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

¿Qué canon de proporciones debes emplear para el diseño y la ilustración de Moda?

A no ser que en tu escuela, universidad, etc., te indiquen lo contrario, la elección de la altura y proporciones de un figurín, es libre para el diseñador/ilustrador. Tú decides cómo quieres dibujar, qué deseas expresar y provocar; aunque para la ilustración de moda, debes tener en cuenta algunos puntos importantes. Veamos:

La intención de un buen figurín debe ser transmitir cómo será la prenda una vez confeccionada, que se entiendan perfectamente sus cortes, tejidos, pinzas… Debe ayudar al patronista o modelista para continuar el trabajo, o para que un cliente final entienda cómo va a sentarle esa prenda que le han diseñado. La ropa (sus pinzas, cortes, pespuntes, cremalleras… ), accesorios o complementos que se muestren deben, por tanto, debe quedar bien definidos, claros. O sea, que si en un maniquí de espalda, dibujamos un pelo larguísimo, que tapa toda esa parte de la prenda, y resulta incomprensible cómo está diseñada, el trabajo no servirá de mucho. Puedes añadir notas con flechas sobre cómo irá confeccionada, al igual que dibujar pequeñas ampliaciones de alguna parte de la prenda que precise de mayor definición o detalle.

2.- ¡HAZ QUE SE MUEVA!

La expresividad y fuerza de tu dibujo depende del movimiento que consigas transmitir.

Es importantísimo que sea dinámico. Si comparas un maniquí estático, con uno en movimiento, la diferencia es abismal. Tanto la ilustración como la prenda ganan. Un maniquí rígido, convierte a una ilustración en una ficha técnica. Un figurín de moda es, en gran parte, un trabajo artístico, y no sólo técnico. No tiene que ser 100% real o veraz. Puedes dejar volar tu creatividad. Si conoces la obra de algunos ilustradores, los cabellos de sus figurines son como de personajes de dibujos animados, pueden llevar ojos pero ni boca ni nariz, o sólo llevar unos labios y el resto de la cara en blanco, puedes colorearlos por completo o dar sólo unos sutiles toques de color, sombras y luces…

Pero todos coinciden en algo: sus maniquíes están posando como modelos, o simulan estar caminando en una pasarela. Nunca los dibujan de frente, de brazos caídos y piernas rectas y paralelas.

Debe ser libre. Disfruta de tu libertad creativa e intenta hacer tus propios cuerpos y caras.

Si se trata de ilustración de moda para un cliente final, puedes incluso adaptar el diseño a la forma de su cuerpo. Veremos más adelante una lección sobre morfología humana aplicada al diseño de moda.

Adjunto a la lección de hoy, voy a dejar 4 maniquíes descargables para imprimir, con las proporciones de 8, 9, 10 y 12 cabezas. Búscalo al final de la lección.

3.- ¿QUÉ ES EL CONTRAPPOSTO?

El contrapposto es una palabra italiana que designa a la manera de oponer armónicamente las partes de un cuerpo, cuando unas están en tensión o movimiento, sus simétricas permanecen en reposo. Una pierna está fija en el suelo y la otra adelantada, al igual que los brazos. Al descansar el peso del cuerpo sobre una pierna, tanto la línea de los hombros como la de la cadera, dejan su posición horizontal.

Se utilizó en escultura griega, pintura y también se aplica en el dibujo de figurines de moda. En la imagen que veíamos al principio del Doríforo de Policleto, puede apreciarse esta técnica.

 

 

En la próxima lección veremos cómo ilustrar diferentes tejidos y transparencias. Como avance, la siguiente imagen.

 

 

 

 

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