CURSO DE DISEÑO E ILUSTRACIÓN DE MODA. LECCIÓN 8: DISEÑO DE CINE
Curso de Diseño e Ilustración de Moda. Lección 8: DISEÑO DE CINE.
Voy a proponerte un ejercicio en forma de juego, para intentar acercarnos al oficio de Diseñador de Vestuario para Artes Escénicas (cine, televisión, teatro, ópera, ballet…)
DISEÑO + 1 TÉCNICA DE COLOR
Además, para sacar mayor rendimiento al tema 8 y, como a estas alturas del curso, estás dibujando mucho mejor, lo haremos con un técnica específica de color.
Hoy fingiremos ser diseñadores de Vestuario Escénico para cine.; pero si deseas aprender más, hay muchísimos libros, cursos y blogs en Internet esperándote. Yo sigo con interés el blog Vestuario Escénico de Diana Fernández :
es riguroso, rico en contenido (tanto en texto como en imágenes), actualizado con mucha frecuencia y con muchísima información sobre la Historia del Traje, sobre todo aplicado a estas artes escénicas; de modo que, si deseas profundizar en el tema, te animo a hacerlo.
CREA TUS PROPIOS EJERCICIOS
Además, podrás proponerte ejercicios a ti mismo. Por ejemplo, cuando veas una película o tu serie favorita, imagínate cómo habrías vestido tú los personajes si hubieses sido el director de vestuario.
Y da un poco más, salta de la imaginación a un planteamiento más serio y analiza dónde está situada la película: presente, pasado o futuro; en qué ciudades o países está ambientada…
Estudia el personaje. Sus cualidades, estilo, valores, qué lugares frecuenta, cuáles son sus actividades de tiempo libre, nivel económico, académico…
¿PARA QUÉ SIRVE EL ANÁLISIS?
Aprender a analizar personas te será de ayuda cuando necesites focalizar tu público objetivo, tu target; para poder definir sus necesidades y gustos y diseñar adecuándote y ofrecer a tus clientes lo que quieren o lo que crees que podría interesarles.
No siempre tenemos la posibilidad de ir a clase, falta de tiempo o recursos, porque no hay lo que necesitamos en el área geográfica en la que vivimos, etcétera.
Como decía Sócrates, “scio me nihil scire o scio me nescire” (“Yo sólo sé que nada sé”); pero el mínimo de información que tengo sobre Moda, y lo que voy aprendiendo, lo comparto. Este curso ha nacido para esto.
Y quiero que comprendas que, cuando no tengas la posibilidad de ir a clase, de conseguir nuevos ejercicios para practicar, no te quedes sin hacer nada. Invéntatelos. Si amas verdaderamente el Diseño y el Dibujo de Figurines, si eres creativo, siempre encontrarás para quién diseñar.
CENTRÉMONOS EN EL CINE AHORA.
El cine, como bien sabes, es un arte que conjuga muchas otras. El cine es también escritura (guiones), fotografía, música, diseño de vestuario, diseño de decorados, iluminación, maquillaje y peluquería, dirección artística… Se estudia el valor del plano, cómo se mueve la cámara y qué efectos produce en el observador. En muchas ocasiones, el cine no es sólo entretenimiento, sino que tiene una labor más social, intenta hacernos pensar sobre ciertos temas, injusticias o dramas.
El diseñador de vestuario debe conocer técnicas de confección, historia de la moda, materiales textiles, la silueta humana. ¿Por qué? Porque su labor es la de convertir al actor en personaje.
Para ello puede localizar (hay mercado de vestuario para cine y teatro), comprar, modificar o crear nuevas prendas.
Debe dominar así mismo las técnicas de representación gráfica y figurinismo, escenografía, iluminación y psicología del color.
Para el ejercicio de hoy, te dejaré escoger película o serie, época en la que está ambientada y personaje a vestir. Intenta que sea del pasado, para poder investigar un poco sobre la Historia de la Moda. Y si después quieres seguir con el juego, prueba a vestir un actor de cine o televisión actual.
Te guiaré en los pasos que debes seguir, y dispondrás de 15 días para hacer el trabajo, hasta que publique el próximo tema. Así tendrás tiempo suficiente para ver tu película, documentarte, bocetar y crear los figurines con la técnica de color.
Pero antes de ponerte a trabajar, ¿qué te parece si vemos algunas prendas icónicas del cine y conocer algunos diseñadores galardonados?
MILENA CANONERO PARA LA PELÍCULA MARÍA ANTONIETA.
Dirigida por Sofia Coppola, con Kirsten Dunst como protagonista en el papel de la reina de Francia Marie-Antoinette. La famosa diseñadora de vestuario Milena Canonero ganó un Oscar por su fantástico trabajo. El vestuario tiene un papel protagonista en la cinta. La película se sitúa en el siglo XVIII, en el Palacio de Versalles, durante el convulso período de la Revolución Francesa, con un rey absolutista y una aristocracia que disfrutaba del lujo y un pueblo que vivía en la miseria.
AMBIENTE DULCE
María Antonieta está vestida al estilo Rococo, con tonos pastel, grandes volúmenes, pelucas y maquillajes empolvados, abanicos y plumas.
Manolo Blahnik fue el diseñador de los zapatos. Y como toque divertido, y para enfatizar el aspecto aniñado de la reina, aparecen unas All Stars de Converse en una de las escenas.
Los dulces (tartas, pasteles… ) tienen también gran importancia. La célebre pastelería Ladurée de Paris, (conocida por sus macarons, sus chaussons aux pommes…) elaboró piezas de repostería para la película.
El diseño de las salas, el de vestuario junto a la confección de los dulces y la interpretación de Kirsten Dunst crean el ambienta aniñado que la directora quería mostrar, ya que María Antonieta llegó de Austria a Versalles siendo una niña.
DATO EXTRA: ¿Sabes quién era Rose Bertin? Cuando acabes la lección haz click en este enlace. Creo que te gustará.
La Revolución Francesa fue un momento de muchos cambios en el vestuario de la población, como el comienzo del uso del pantalón, por parte del pueblo, los sans-culottes, para separarse de las mallas que utilizaban las clases altas.
La ropa se utilizó como elemento de protesta, de pertenencia a un grupo que reivindicaba derechos de igualdad.
Si te interesa ampliar tus conocimientos sobre cómo la moda se ha utilizado para reclamar igualdades, busca en Internet o libros, o escríbeme a esta dirección de correo mariagondar@cruzcostacostura.com, y estaré encantada de compartirte enlaces de interés.
CHRISTIAN DIOR.
Comenzó como diseñador para cine, participando en 8 películas antes de sacar su primera colección. (Haz click para más información)
Realizó, por ejemplo, el vestuario de Marlene Dietrich en ‘Stage Fright’ (1947), de Alfred Hitchcock,
MARC BOHAN PARA DIOR.
Tras la muerte de Christian Dior en 1957, le sucedió Yves Saint Laurent, quien no llegó a encajar en la marca, por ser rompedor e innovador y salirse de las siluetas ceñidas y cortes de la Casa Dior. En 1958 fue destituido y entró Marc Bohan, quien, a pesar de no ser tan célebre como otros, estuvo casi 30 años al frente de la firma y quien debutó en 1961.
Si no has visto Arabesque (1966), de Stanley Donen, con Sofia Loren y Gregory Peck, te la recomiendo. Bohan vistió de lujo a Sofia Loren en esta película, y sumado a la interpretación de dos grandes del cine, a la arquitectura que se muestra en la película, es un clásico más que recomendable.
IRENE SHARAFF
Fue la diseñadora de vestuario de Elizabeth Taylor en Cleopatra.
DAN LAWSON PARA THE GOOD WIFE Y THE GOOD FIGHT.
Tanto para la finalizada serie The Good Wife como para la actual The good Figth, Dan Lawson, diseñador de televisión muy apreciado, es el jefe de vestuario. Es el rey de las working girls de lujo. Soy admiradora del personaje Diane Lockhart, interpretado por Christine Baranski, y de las prendas que luce.
Es una serie de abogados en cuya cabecera hacen estallar el famoso bolso Birkin de Hermès.
Dan Lawson crea y utiliza también vestuario de otras marcas, como Fendi o Karl Lagerfeld.
Como te explicaba anteriormente, el jefe de vestuario también puede adquirir prendas de otros. Sin embargo, como veremos a continuación en el apartado dedicado a los Premios Oscar, verás que para ganar uno es necesario que el diseñador principal haya concebido la indumentaria.
PREMIOS OSCAR.
El Oscar al Mejor Diseño de Vestuario se otorga desde 1949, a las películas filmadas en 1948. En principio había dos categorías: color y blanco y negro; hasta que se fusionaron en 1967.
El vestuario debe ser concebido por un diseñador. Y las nominaciones son para el diseñador o diseñadores principales. Las 5 películas más votadas se convierten en nominadas.
Edith Head fue la diseñadora más galardonada. En 1974 consiguió su 8ª estatuilla, y para 1978 contaba con 35 nominaciones en su curriculum.
Edith Head inspiró el personaje de Edna Moda de la cinta animada Los Increíbles.
Algunos de sus vestidos más icónicos se vieron en películas como:
–Sabrina, con Audrey Hepburn, en colaboración con Givenchy.
Imagen de Pinterest
-Recuerdo de una noche, vistiendo a Barbara Stannyck
-La ventana indiscreta, con vestidos para Grace Kelly
-Vértigo, con el famoso vestido negro de Kim Novak
Las más galardonadas vivas son Milena Canonero (antes mencionadas por su trabajo en María Antonieta) y Collen Atwood, ambas con 4 premios.
TUS EJERCICIOS.
A continuación dejo un PDF descargable de dos páginas, para guardar o imprimir.
Haz click sobre la imagen para descargar el ejercico
En la primera verás las indicaciones para realizar tu ejercicio de Diseño de Cine. Todos los pasos que debes seguir.
En la segunda, la técnica de aplicación de color que vamos a utilizar hoy. Imprímela y guárdala, o apúntala en un cuaderno. Sería interesante ir guardando las diferentes técnicas que vamos a ir viendo durante el curso. Sin embargo, recuerda que tú eres quien manda. Como en todas las disciplinas artísticas es importantísimo conocer los métodos y materiales que hay, saber aplicar color y crear texturas, luces, sombras, brillos, que provoquen emociones.
Veremos cómo colorear con rotuladores (marcadores), lo combinaremos en ocasiones con lápices de color, lápices tipo pastel, acuarelas, esmaltes, rotuladores finos calibrados para perfilar y enfatizar…
Cuando tengas todo este conocimiento, escogerás libremente cómo dar color, qué siluetas utilizar, cómo mezclar las técnicas a tu antojo para conseguir expresarte.
Trabaja mucho y nos vemos en la siguiente lección; pero antes de que esto se acabe, te dejo un adelanto y también uno de los trabajos de uno de los compañeros que está siguiendo el curso (¡Gracias, Luis Daniel Fer Fermín, por tu constancia y esfuerzo!)
Como adelanto, piensa en tu cantante preferido. Da igual hombre o mujer. En los diseños que lleva durante sus actuaciones. Trabajaremos sobre esto en la Lección 9.
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CURSO DE DISEÑO DE MODA: ILUSTRACIÓN DE FIGURINES 2: CANON, MOVIMIENTO Y CONTRAPPOSTO
Curso de Diseño de Moda: ilustración de figurines 2: canon, movimiento y contrapposto.
Con los figurines desnudos descargables que encontrarás al final de la lección, podrás diseñar y dibujar prendas como ésta. Y con herramientas como Adobe Illustrator o Photoshop, podrás dar más fuerza al fashion sketch, añadiendo marcas de agua, colores, estampados, tu logo…
¡Comencemos!
¿Qué vamos a tratar en esta lección?
Nos centraremos en 3 puntos claves para hacer un buen figurín:
1º DIFERENTES CÁNONES PARA FIGURINES: 8, 9, 10 y 12 cabezas de altura. Con una FICHA DESCARGABLE GRATIS PARA IMPRIMIR (figurines de 8, 9 y 12 cabezas + hojas de ejercicios)
2º FIGURÍN DINÁMICO VS FIGURÍN ESTÁTICO: EN EL MOVIMIENTO ESTÁ LA FUERZA DE TU DIBIJO.
2º QUÉ ES EL CONTRAPPOSTO. (Con figurín descargable para imprimir).
Y combinaremos estos puntos de ilustración de moda con un poco de Historia del Arte, porque mi intención, es que además de aprender a dibujar, adquieras algo de conocimiento sobre el tema, para enriquecer tu trabajo.
Estoy segura de que, el darte algo de información, te llevará a querer conocer más, a investigar.
Como futuro diseñador de moda o ilustrador NECESITAS ir llenando una especie de cajonera imaginaria en la que almacenarás en un cajón, por ejemplo, las diferentes formas del cuerpo humano; en otros, las técnicas de dibujo, los tipos de prendas y sus cortes, pinzas, aperturas; los diferentes tejidos y cómo dibujarlos; la historia de la moda y de su ilustración… etc. Y hay un cajón, que es muy importante que es el de la inspiración: en él irás guardando todo lo que aprendas, leas o veas sobre arte, naturaleza, historia, tecnología, ciencia, investigación, ecología, diseño, artesanía, y que servirán de base para crear tus diseños.
Cuando te sientes a diseñar, sabrás a dónde dirigirte, tendrás la capacidad de sacar provecho de todo ese conocimiento adquirido, de los temas que han llamado tu atención, de los detalles que te han parecido fantásticos, etc.
Y si, además, quieres ser un buen ilustrador, es fundamental que domines la forma del cuerpo humano. Como ya sabes, ha sido objeto de estudio desde la Antigüedad; así que te animo a que tú también la estudies: alturas, proporciones, formas de manos y pies en las diferentes poses, movimientos… Hoy comenzaremos con los 3 puntos arriba mencionados, y te animo a descargar e imprimir las fichas para poder practicar.
1.- ¿QUÉ ES EL CANON DE PROPORCIONES?
Canon es un modelo o prototipo que reúne las características que se consideran perfectas en su género; o sea, que el Canon referido a la figura humana, se trata de un cuerpo que reúne las proporciones ideales.
Los antiguos egipcios tomaban el puño de la mano como módulo para todo el cuerpo. Un cuerpo debía tener 18 puños de altura, desde los pies hasta la mitad de la frente. A partir del siglo VII a. C. este canon se amplió a 21 puños, estilizando más la figura.
En Grecia, Policleto estableció las proporciones ideales, utilizando una medida o módulo, que fue la cabeza. Determinó que la medida de 7 cabezas era la altura ideal de un cuerpo humano. Lisipo alargó la figura hasta las 8 cabezas.
El renacentista Miguel Ángel, utilizó un canon de 7 cabezas y media; y Leonardo Da Vinci, uno de 8 cabezas: el conocido hombre de Vitruvio. Leonardo desarrolló un canon artístico a partir de estudios antropométricos, teniendo como referencia el libro “De Arquitectura”, del arquitecto romano Vitruvius; que, a su vez, se inspiraba en el canon de Eufranor, discípulo del mencionado Policleto.
El pintor Durero empleó una altura equivalente a 9 cabezas en su obra Adán y Eva, que podrás encontrar en el Museo del Prado de Madrid.
¿Qué canon de proporciones debes emplear para el diseño y la ilustración de Moda?
A no ser que en tu escuela, universidad, etc., te indiquen lo contrario, la elección de la altura y proporciones de un figurín, es libre para el diseñador/ilustrador. Tú decides cómo quieres dibujar, qué deseas expresar y provocar; aunque para la ilustración de moda, debes tener en cuenta algunos puntos importantes. Veamos:
La intención de un buen figurín debe ser transmitir cómo será la prenda una vez confeccionada, que se entiendan perfectamente sus cortes, tejidos, pinzas… Debe ayudar al patronista o modelista para continuar el trabajo, o para que un cliente final entienda cómo va a sentarle esa prenda que le han diseñado. La ropa (sus pinzas, cortes, pespuntes, cremalleras… ), accesorios o complementos que se muestren deben, por tanto, debe quedar bien definidos, claros. O sea, que si en un maniquí de espalda, dibujamos un pelo larguísimo, que tapa toda esa parte de la prenda, y resulta incomprensible cómo está diseñada, el trabajo no servirá de mucho. Puedes añadir notas con flechas sobre cómo irá confeccionada, al igual que dibujar pequeñas ampliaciones de alguna parte de la prenda que precise de mayor definición o detalle.
2.- ¡HAZ QUE SE MUEVA!
La expresividad y fuerza de tu dibujo depende del movimiento que consigas transmitir.
Es importantísimo que sea dinámico. Si comparas un maniquí estático, con uno en movimiento, la diferencia es abismal. Tanto la ilustración como la prenda ganan. Un maniquí rígido, convierte a una ilustración en una ficha técnica. Un figurín de moda es, en gran parte, un trabajo artístico, y no sólo técnico. No tiene que ser 100% real o veraz. Puedes dejar volar tu creatividad. Si conoces la obra de algunos ilustradores, los cabellos de sus figurines son como de personajes de dibujos animados, pueden llevar ojos pero ni boca ni nariz, o sólo llevar unos labios y el resto de la cara en blanco, puedes colorearlos por completo o dar sólo unos sutiles toques de color, sombras y luces…
Pero todos coinciden en algo: sus maniquíes están posando como modelos, o simulan estar caminando en una pasarela. Nunca los dibujan de frente, de brazos caídos y piernas rectas y paralelas.
Debe ser libre. Disfruta de tu libertad creativa e intenta hacer tus propios cuerpos y caras.
Si se trata de ilustración de moda para un cliente final, puedes incluso adaptar el diseño a la forma de su cuerpo. Veremos más adelante una lección sobre morfología humana aplicada al diseño de moda.
Adjunto a la lección de hoy, voy a dejar 4 maniquíes descargables para imprimir, con las proporciones de 8, 9, 10 y 12 cabezas. Búscalo al final de la lección.
3.- ¿QUÉ ES EL CONTRAPPOSTO?
El contrapposto es una palabra italiana que designa a la manera de oponer armónicamente las partes de un cuerpo, cuando unas están en tensión o movimiento, sus simétricas permanecen en reposo. Una pierna está fija en el suelo y la otra adelantada, al igual que los brazos. Al descansar el peso del cuerpo sobre una pierna, tanto la línea de los hombros como la de la cadera, dejan su posición horizontal.
Se utilizó en escultura griega, pintura y también se aplica en el dibujo de figurines de moda. En la imagen que veíamos al principio del Doríforo de Policleto, puede apreciarse esta técnica.
Doríforo de Policleto en Contrapposto.
En la próxima lección veremos cómo ilustrar diferentes tejidos y transparencias. Como avance, la siguiente imagen.
Se trata de un vestido que combina tejido liso gris, tartán de cuadros violeta, gris y rosa y rejilla en las partes transparentes de la cintura. En la próxima lección veremos cómo representar diferentes tejidos y transparencias. Te espero.
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