LA GABARDINA SE FUE A LA GUERRA. NO SÉ CUÁNDO VENDRÁ. DO RE MI-DO RE FA
LA GABARDINA SE FUE A LA GUERRA. NO SÉ CUÁNDO VENDRÁ. DO RE MI-DO RE FA
¿Te preguntas por qué este título tan raro para un artículo sobre la Historia de la gabardina?
Recordarás la canción “Mambrú se fue a la guerra”. Pues la gabardina también lo hizo.
Quizás no te hayas planteado nunca por qué llamas trench a esta prenda. Pues porque trench (inglés) significa zanja o trinchera, y la Primera Guerra Mundial fue también conocida como Guerra de trincheras y este tipo de abrigo, revolución de la confección, ayudó a los soldados a protegerse de la lluvia y del frío en el campo de batalla. (Trench coat= abrigo de trinchera).
¿Sabes quién fue su creador?
1. LOS CREADORES DE TEJIDOS IMPERMEABLES
Seguro que sí y puede que cada temporada no te pierdas el desfile de esta marca en la Fashion Week of London. Fue Thomas Burberry; pero mucho antes hubo otros creadores de tejidos impermeables, como los indígenas de Sudamérica, que cubrían su ropa con savia del Hevea brasiliensis (caucho) y a los considero necesario mencionar, para comprender bien cómo nace la gabardina.
Años después del descubrimiento de esta técnica indígena por parte de lo colonos americanos, el químico inglés Charles Mackintosh inventa un tejido impermeable uniendo dos capas de tela de algodón con una solución de caucho natural en nafta, y lo patenta en 1823. Y John Emary, fundador de Aquascutum (escudo contra el agua), en Londres, patenta en 1853 el primer tejido hecho con lana impermeable. Los soldados británicos que participan en la Guerra de Crimea (1853-1856) llevan sus abrigos.
2. LA GABARDINA DE BURBERRY
Thomas Burberry funda su firma de ropa con 21 años, en 1856, con la intención de crear prendas que protejan del clima británico, del frío y la lluvia. Se dice que en 1879 se encuentra con un pastor de su región, quien tiene una chaqueta impermeable. El pastor le explica utiliza un producto para bañar a sus ovejas y que su lana resulte brillante y que, durante el baño, su propia chaqueta acaba empapada. A partir de ese encuentro, Burberry idea y crea el tejido gabardina, impregnando el hilo, en lugar de la prenda finalizada, como en el caso del pastor. Presenta la patente en 1888 y la fabrica, en exclusiva, hasta 1917.
¿Y de dónde sale el nombre?
Se inspira en El Mercader de Venecia, de Shakespeare, concretamente en el personaje de Shylock, quien lleva “jewish gaberdine”, una especie manto judío medieval. (Puedes leer la historia de la marca en su página web).
Esta creación supone una revolución tecnológica en la confección. En 1901 el Nobel de la Paz Dr Fridtjof Nansen la utiliza en una exploración al Círculo Polar Ártico y Sir Ernest Shackleton la lleva a todas sus expediciones del siglo XX. En 1908, el General de Brigada Edward Matland también se la lleva a su viaje en globo del Crystal Palace a Rusia (1800 km).
En 1912 la firma patenta el modelo TIELOCKEN, que es considerado en predecesor de trench-coat.
Gabardina Tielocken. Imagen de aviationancestry.co_.uk_
3. EL TREANCH COAT EN LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL (1914-1918). DO RE MI, DO RE FA.
Hasta 1850 visten unos incómodos abrigos de lana, largos y pesados.
Los uniformes de los soldados suelen hacer referencia a las banderas nacionales; pero los británicos, desde el motín de India de 1857, apuestan por el color khaki o caqui (palabra india que significa arena).
La introducción de la gabardina supone para los soldados ligereza, protección contra la lluvia, el barro…
¿Recuerdas en el artículo anterior sobre los tejidos acolchados (quilt) y las armaduras medievales? Muchas de las prendas que utilizamos está o estuvo muy vinculada a la tecnología de guerra, tanto por materiales, formas o colores (camuflajes).
Este trench coat militar lleva unas hombreras que permiten colgar el equipamiento. Tiene, también, unas piezas superpuestas en la parte superior delantera y espalda para permitir que el agua de lluvia resbale y no se moje por completo el abrigo. En las charreteras se lucen los rengos, y los estuches con mapas se pueden colgar con anillas a los agujeros con remaches del cinturón.
Sin embargo, no todos los soldados tienen gabardina en lo primeros años de la Guerra de Trincheras. No es hasta 1917 que la oficina de guerra, ante un ejército mucho mayor, ordena a empresas civiles (como las mencionadas Aquascutum o Mackintosh) los trench coat (abrigo de trinchera) y Burberry pierde la exclusiva.
Imagen de Pinterest
Además, con la fabricación masiva, su uso se extiende también a la población, a quienes impresionaba este look militar patriótico.
4. LOS INVESTIGADORES PRIVADOS DE HOLLYWOOD LLEVAN GABARDINA
Me gustaría que intentases recordar tres o cuatro personajes de cine o televisión, o si prefieres, literarios, que sean representados por la gabardina.
Yo he pensado en estos: el Inspector Colombo, con aquella misma gabardina arrugada que lució en 8 temporadas de la serie (cuyo primer capítulo fue dirigido por Steven Spielberg, en 1971). He recordado también a Humphrey Bogart en Casablanca o El Halcón Maltés, a Audrey Hepburn y George Peppard besándose bajo la lluvia -pero protegidos con sus trench- en Desayuno con Diamantes, a Steve McQueen en Bullit y en Sophia Loren en La llave . Y, cómo no, en el Inspector Gadget, personaje de dibujos animados.
¿Hemos coincidido en algunos?
Como ya sabías y acabas de ver en la galería anterior, Hollywood pone su grano -o, más bien, puñado- de arena a la causa, dándole a la gabardina un toque sofisticado. La asocia al buen vestir, a hombres y mujeres con carisma, comprometidos, misteriosos: periodistas investigando casos de corrupción, investigadores privados contratados para vigilar cónyuges infieles haciendo sus esperas bajo ventanas con gabardina, sombrero, cigarro y periódico, para disimular; espías de la CIA, escritores, gansters de Chicago, ejecutivos de Wall Street… Bueno, también a exhibicionistas. Y esta idea de “bien vestido” es la que permanece en nuestras mentes.
5. EL TRENCH NO SÓLO ES IMPERMEABLE, ES TAMBIÉN INCOMBUSTIBLE.
Gabardina de Alexander McQuenn, 2018. Imagen de Vogue.
Y con incombustible me refiero a que no pasa de moda. Temporada tras temporada vemos cómo aparece en las colecciones de marcas y diseñadores.
No todo el mundo tiene una; pero gran parte de la población, sin temor a exagerar, puede decirse que sí -yo tengo tres en el armario: dos de estilo clásico en color beige (de Henry Arroway y Adolfo Domínguez) y una versión en piel negra con acabado en purpurina y ribetes fucsia, que guardo como un tesoro (de Custo Barcelona)-.
De hecho, si lees revistas o blogs de Moda y tendencias, cuando los septiembres publican decálogos de básicos para la vuelta al trabajo, la gabardina no suele faltar en estas listas de imprescindibles, tanto la versión masculina y femenina e incluso para niños.
6. GABARDINA Y DISEÑO DE MODA
Para darte una muestra de los diferentes diseños de gabardina, he hecho una pequeña selección de modelos de alta gama, algunos manteniendo formas muy clásicas y otros buscando nuevas formas y materiales.
La actriz de Bollywood, Priyanka Chopra con un espectacular diseño de gabardina con cola.
Finalmente, para cerrar este artículo y como lo he hecho con los anteriores, añado unos propios diseños ilustrados de gabardina y un vestido con sobrefalda inspirado en esta prenda, como humilde aportación y porque me encanta diseñar y dibujar y me lo tomo como proyecto personal de trabajo, aquí . Espero que te gusten, y si eres diseñador o deseas serlo, inténtalo tú también.
Post-Scriptum: te recuerdo que ya es Otoño y ha empezado la temporada de peli, sofá, mantita y galletas; así que te propongo alguna con gabardinas. Tienes muchas para elegir.
Gracias por permitirme el tuteo, por leerme y por compartir este enlace.
Gabardina con piezas acolchadas en hombro y mangas. El zapato está inspirado en el cuello subido de una gabardina.
Diseño de gabardina con dos capas para dar mayor abrigo. Una capa en tejido gabardina y otra en piel (pelo). El bolso en charol y lentejuelas.
Vestido recto inspirado en la gabardina. La forma del escote está relacionada con la pieza delantera superpuesta en los trench. El clutch es en charol y también está inspirado en estas piezas.
María Gondar para el blog de Cruz Costa Costura.
La gabardina se fue a la guerra.
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Historia del caftán, de Zyriab a Tamy Tazi
Historia del caftán, de Ziryab a Tamy Tazi.
He aprovechado este post para añadirlo al curso de Diseño e Ilustración de Moda del Blog, de modo que, al final, dejaré un ejercicio para quienes haya interesado el tema y deseen utilizarlo como material para diseño e ilustración, practicando esta vez la superposición de capas al aplicar el color.
Además, los amantes de la cocina, de la mano de Bodegas Mezquita, que muy amablemente me han permitido compartir su publicación, descubriréis una receta histórica directamente vinculada a un influencer medieval del caftán.
O sea, que el tema viene bien completo y aprovechadito.
INTRODUCCIÓN:
El objetivo de este artículo es la continuación de mi estudio personal sobre la Historia del Traje y su relación con la sociedad, la religión, la tradición, la artesanía, las revoluciones sociales, los movimientos artísticos, etc.
Llegó a mis manos, -o hice llegar- un ejemplar de la revista Gazelle Mag, para las mujeres del Magreb, dedicado a las bodas y ahí estaba esperándome el caftán, esta prenda que nos suena a atuendo de playa en sus versiones más sencillas o a vestimenta de la casa real alauí. En el ejemplar se mencionaban diferentes talleres de producción de caftanes; así que decidí conocer su historia.
Miembros de la Casa Real alauí. Imagen de gabinetedeprotocolo.com
Normalmente, cuando buscamos documentación sobre un tema en Internet nos encontramos con muchos artículos, reportajes, estudios, en ocasiones tan repetidos que se hace complicado averiguar rápidamente quién es el autor y quiénes se han limitado a copiar y pegar el trabajo de otros.
Me ha sorprendido no encontrar demasiada información sobre la diseñadora marroquí Tamy Tazi, dada la calidad de sus creaciones, la importancia de su trabajo, que ha revalorizado el artesanado textil de su país, respetando la tradición y al tiempo adaptando esta prenda tradicional a la moda del siglo XX y XXI, o la relación tan próxima que tuvo con Yves Saint Laurent, a quien conoció en Marrakech y Pierre Bergé.
He encontrado unos cuantos vídeos y artículos en Francés e Inglés y nada en Español, a pesar de la relación de la creadora con nuestro país (estudió Filosofía y Letras en Granada).
ORÍGEN, EXTENSIÓN Y EVOLUCIÓN DEL CAFTÁN.
Pero antes de revisar la obra de esta couturière, vamos a viajar al pasado, hasta Persia, para conocer el origen del caftán.
Fue en este país (actual Irán) donde se originó (khaftane). Durante el siglo VII los califas comenzaron a utilizar moda iraní, introduciéndose así en el Oriente musulmán. Los omeyas (califato) los trajeron hasta Al-Andalus (Andalucía), y los conquistadores árabes los llevaron a Marruecos.
ZIRYAB
Si eres andaluz, quizás conozcas un plato a base de judías blancas secas en salazón y asadas, conocido como ziriabí. Esta receta debe su nombre a Abú aI-Hasan Alí ibn Nafi, conocido como Ziryab (Mirlo Negro), por su color de piel y su bella voz. Ziryab era poeta, compositor, cantante y gastrónomo. Nació en Mosul y falleció en Córdoba, (Al-Andalus) en el año 857. Fue acogido en el califato por el monarca Abderramán II y no sólo innovó en la música, sino que se le atribuye una gran influencia en la alta sociedad cordobesa, aportando exquisiteces de Oriente, utilizar copas de cristal o manteles, el juego del ajedrez, el consumo de espárragos trigueros, peinarse con flequillo y, algo que nos interesa mucho en este artículo, el uso del caftán. Se dice que las mujeres árabes, admiradoras de su estilo, comenzaron a vestirlo, eso sí, adaptado a las formas femeninas
¿No crees que es apasionante ver cómo se mezclan la historia de la Moda, de la Música o la Gastronomía?
En el blog de la web de las Bodegas Mezquita, tienen un artículo muy interesante sobre Ziryab y su receta. Te animo, pero sólo una vez que hayas terminado este artículo, no te escapes antes de tiempo, a hacer click y descubrir cómo preparar este aperitivo histórico.
Volvamos mientras a nuestra prenda.
La expansión del Islam extendió su uso, sin embargo, en cada país, la prenda evolucionó de diferentes formas.
Caftanes en el Imperio Otomano:
Se bordaban, normalmente, por delante y en las mangas, y se adornaban con diferentes cintas, colores y motivos que señalaban el rango de quien lo llevaba.
En el Palacio de Topkapi, en Estambul, una de las colecciones principales está dedicada a esta prenda.
En 1922, Mustafa Kemal Ataturk, padre de la Turquía moderna, derrocó al sultán otomano y prohibió el uso del caftán, para promocionar los atuendos de Occidente.
Caftanes de Marruecos:
Los primeros caftanes de Marruecos son de los siglos XV y XVI. Los aportes de Persia, de los otomanos, junto al de Al-Andalus, enriquecieron el artesanado de la zona.
Cada una de las villas imperiales (Fez, Tetuán, Rabat, Chefchaouen…) tiene su propio caftán. Los caftanes de herencia andaluza perduran hasta hoy, y son utilizados por las mujeres en celebraciones como matrimonios, cumpleaños… No sucedió lo mismo en otros países, en los que su uso fue desapareciendo.
Caftanes de Argelia:
El caftán de Argelia es más corto, hasta la rodilla o muy poco más, y aún puede verse en Tlemcen.
En este país, el traje tradicional fue variando en cortes y técnicas de bordado con la llegada de musulmanes y judíos expulsados de España.
Caftán de Argelia. Imagen de Un pays d’identité. WordPress.
En el siglo XIX nació el Karakou, una evolución de caftán en una forma muy refinada.
El Caftán ruso:
En Rusia también aparece el término caftán, aunque se refiere a otra prenda: una túnica masculina muy ancha y con mangas ajustadas. El zar Pedro I prohibió su uso, al igual que Mustafa Kemal Ataturk, con la intención de occidentalizar la vestimenta.
LA IMPORTANCIA DE LA OBRA DE TAMY TAZI.
Forma ya parte de la Historia del caftán. Es una de las más importantes creadoras de alta costura en Marruecos. Se formó en Literatura y Filosofía en España, en Granada, ciudad a la que asegura tener mucho cariño. En 1953 conoció al que luego sería su marido y regresó a su país de origen. Su amiga Aline Griffith, la fallecida Condesa de Romanones, escritora y ex agente del OSS estadounidense, que era imagen de Vogue España, la animó a dedicarse a la Moda.
Tamy Tazi junto a Aline Griffith, Condesa de Romanones. Imagen de Pinterest.
En Marrakech conoció a Yves Saint Laurent, con quien comenzó una amistad que perduraría durante años, y posteriormente a Pierre Bergé. Saint Laurent admiraba su trabajo y reconoció la influencia de la modista y de Marruecos en su obra.
La diseñadora empezó creando trajes compuestos por chaqueta y falda larga, pero pronto su mirada se enfocó en el traje tradicional y en sus técnicas de confección y bordado.
El valor de Tamy Tazi está en su respeto por el pasado, su pasión por el artesanado, no sólo de su país sino de sus vecinos (es coleccionista de bordados y tejidos bereberes) mezclado con su intención de modernizar a la mujer marroquí. Aúna pasado y futuro con destreza y buen gusto. Explica que los caftanes tradicionales le parecían muy cuadrados y pesados, así que aligeró tejidos y ciñó siluetas.
A partir de la Randa, un fino encaje que realza el cuello de los camiseros masculinos, creó su famosa Chbika. Alargó la Randa con motivos geométricos y figuras animales o florales. Trabajó también el arte del Mâalem, con hilos de oro y plata.
Para conmemorar sus 40 años como diseñadora, en el 2015 se celebró una exposición en el Hotel Royal Mansour de Marrakech.
Y, como he anunciado al principio del artículo, para los que estéis siguiendo los temas del Curso de Diseño e Ilustración de Moda del Blog, os dejo un ejercicio muy completo, junto a una técnica de dibujo para practicar, la superposición de capas (the layering technique). Haced click sobre la imagen siguiente para descargarla en PDF, lista para imprimir.
Me despido con una ilustración y diseño de caftán. Hasta el próximo artículo.
DISEÑADORES DE VESTUARIO ESCÉNICO PARA ÓPERA.
DISEÑADORES DE VESTUARIO ESCÉNICO PARA ÓPERA
Hace unas semanas me encontraba dibujaba unas ilustraciones para camisetas escuchando Francesca da Rimini, y pensaba que Rachmaninov no me estaba ayudando nada a tener más inspiración, pero sí estaba haciendo del momento de frustración, nada productivo ni creativo, un rato muy agradable.
Entonces, la explotada neurona que me queda pasó de la concentración a la divagación, se fue de paseo a la ópera, y me hizo pensar que estaría muy bien poder diseñar vestuario para este tipo de espectáculos. Y así nació la idea para este artículo.
Hacer una lista de diseñadores para ópera haría el texto demasiado extenso, así que me he limitado a escoger a algunos de los más destacados, por su pasión, audacia, por su método de trabajo, o por cómo de rebote alguno acabó diseñando vestuario a pesar de no ser su oficio e incluso caeré en el cotilleo contando algún truculento detalle personal.
MARIETTE Y EGIPTO:
François Auguste Ferdinand Mariette (Boulongne-sur-Mer, Francia, 1821- El Cairo, Egipto, 1881) no se imagina mientras da clases de dibujo en Stratford (Inglaterra),durante 1839 y1840, que acabará siendo un experto en Egiptología y como tal colaborará en la representación de Aida en El Teatro de Ópera del Jedive, en el Cairo, el 24 de diciembre de 1871.
De profesor de dibujo a egiptólogo
En 1841 descubre en el Museo de Boulogne algunos objetos egipcios y queda impresionado. En 1845, su primo lejano Nestor L’Hôte, dibujante de gran talento que acompaña a Jean François Champollion en Egipto, muere. Mariette es el encargado de clasificar sus papeles y dibujos, y descubre la Egiptología. Estudia los jeroglíficos, el copto, el sirio, el arameo y renuncia a su plaza de profesor por un puesto mal pagado en el Louvre.
El Escriba sentado
En 1850 es enviado a Egipto para adquirir unos manuscritos en copto, pero esta misión fracasa y decide, sin permiso y a escondidas, utilizar los fondos para excavar Saqqara, donde encuentra primero una esfinge y después desentierra algunas más, además de la estatua del Escriba (Museo del Louvre, París). Este es sólo el principio de la carrera de uno de los padres de la Egiptología y fundador del Museo del Cairo.
Aida
Pero volvamos a Aida (ópera que trata de una princesa etíope prisionera en Egipto): el jedive de Egipto, Ismail Pacha encarga a Verdi una oda para conmemorar la apertura del Canal de Suez, pero Verdi declina la invitación alegando que él no realiza “piezas ocasionales”. Pachá intenta convencerlo nuevamente, al tiempo que también lo hace con Gounod o Wagner. Finalmente, cuando Verdi lee el argumento escrito por Mariette, acepta componer una ópera. El despliegue escénico es grandioso. Mariette crea los personajes, el vestuario, los decorados, inspirándose en las pinturas de la tumba de Ramsés II y en los colosos ornamentales de su templo en Madinet Habu, por ejemplo. La corona que ciñe Amneris es de oro macizo. En los figurines que se muestran a continuación, puede apreciarse el trabajo detallado del diseñador.
Ilustración de personaje egipcio para Aida, por Mariette. Imagen de “Amigos de la Egiptología”.
Personaje etíope para Aida, por Mariette. Imagen de “Getty Images”.
CHARLES BIANCHINI Y LAS VALKIRIAS:
Antoine Charles Bianchini, (Rhône, 1859- París, 1905), conocido como Charles Bianchini es un diseñador francés de vestuario escénico para teatro. Aunque su padre lo envía a Inglaterra para estudiar Comercio e Inglés, su verdadera vocación es el Teatro; desde la administración hasta la puesta en escena o el vestuario.
Comienza diseñando trajes de fantasía para revistas, y recorre Holanda con una troupe, y poco a poco, su vocación se va centrando en la puesta en escena. Unos años más tarde debuta con Eldorado, después monta Sigurd para Bruselas, vuelve a hacerla en Lyon y llama a la Ópera de París para solicitar representarla allí, solicitud que le es concedida y vende para ello sus muebles para financiar el proyecto.
Diseñador de la Ópera de París
Y en 1883 se convierte (hasta su muerte) en el diseñador titular de esta Ópera, además de crear para otras escenas, en especial para la Ópera Cómica. Posteriormente monta Les Deux Pigeons, Patrie !, la Dame de Monsoreau, Roméo et Juliette, la Tempête, le Rêve, Ascanio, le Mage.
Para la Opéra-Comique: Madame Turlupin, le Roi d’Ys, l’Enclume, l’Escadron de la Reine, Esclarmonde, Dante, la Basoche; à l’Odéon, Caligula, además de otras piezas de Ambigu.
La Walkyrie
En 1893 diseña el vestuario para La Walkyrie de Wagner (la segunda de las cuatro óperas que componen El anillo del nibelungo, inspirada en la mitología nórdica, y cuyo fragmento más conocido es “La cabalgata de las valkirias”), con un estilo muy realista.
Figurín por Bianchini para La Walkyrie de Wagner en la Ópera de París.
Figurín de Bianchini para La Walkyrie de Wagner, en la Ópera de París, 1893. Imagen de Pinterest.
Es evidente que al ejercer un oficio de forma vocacional se hace apasionadamente, intentando dar lo mejor de uno mismo, crear un estilo propio y dejar impronta. Bianchini es minucioso y detallista. Ningún detalle del personaje es dejado a la improvisación. Todo está diseñado y representado: ropa, complementos, joyas, maquillaje, peinado…
Rey de Irán, por Bianchini. Imagen de gallica.bnf.fr
Hay muy pocos datos de su biografía, pero sí se sabe que el 10 de Mayo de 1898 cae enfermo de forma repentina, entrando en un estado parecido al coma, y hasta el día 17 alterna extraños estados: amanece mejor, pero su estado se agrava rápidamente durante el día, aunque no muere. Nadie sospecha de su mujer, hasta que el día 13 pide a un doctor atropina “para su perro”. Las sospechas se convierten en certeza por las alucinaciones de los días 14 y 15, por lo que decide avisar a otros doctores y es finalmente apartado se su esposa el día 17. En 8 días está en pie.
Madame Simonet. Personaje de La Traviata (ópera de Verdi basada en La dama de las camelias, de Dumas. La ilustración para este vestido parece sencilla, simplificada, sin embargo todo está exquisitamente detallado: tejidos, colores, brocados, forma.
A partir de 1900 los temas históricos modifican el método de trabajo de los costureros y los talleres deben adaptarse.
Después de la Segunda Guerra Mundial, la Ópera de París colabora estrechamente con la Escuela de París y con la Escuela Italiana.
LILA DE NOBILI VISTE A “LA CALLAS”:
Lila De Nobili (Lugano, 1916- París, 2002) es una diseñadora, diseñadora de vestuario y escenógrafa suizo-italiana. Destaca como ilustradora para la revista Vogue. En 1943 se establece en París . Realiza históricos vestuarios en ópera, especialmente en La Scala de Milán con Luchino Visconti, Maria Callas, Franco Zeffirelli, Luigi Squarzina y en Inglaterra con Frederick Ashton, Tony Richardson y Peter Hall entre 1957-62 en seis producciones de obras de Shakespeare, y la primera Carmen en el Palais Garnier en 1958.
María Callas vestida por Lila de Nobili para La Traviata. Imagen de Wikipedia.
Figurines de Lila De Nobili para Las cigarreras de Carmen. Imagen de Pinterest.
En los años 1960 los estilistas sustituyen a los pintores. Roland Petit encarga a Yves Saint Laurent el vestuario de Notre Dame de París, y Robert Wilson hace lo mismo con Kenzo para La Flûte Magique (1999).
CHRISTIAN LACROIX Y SUS MARAVILLOSAS ILUSTRACIONES:
Pero entre los diseñadores, quien destaca sobre el resto es Christian Lacroix (Arles, Francia, 1951). El diseñador se aparta de las pasarelasen el 2009, y aunque colabora con alguna marca, la mayor parte de su talento como modisto lo dedica al vestuario para ópera. Ha llevado la Alta Costura al escenario. Su visión barroca y exagerada de la moda, encaja perfecta en la ópera. Y sus ilustraciones son fantásticas.
Croquis de Lacroix para la Ópera de París. Pinterest.
Croquis de Lacroix para la Ópera de París. Imagen de Pinterest.
Croquis de Lacroix para la Ópera de París.
IRIS VAN HERPEN: ¿LA ESCULTORA DE LA MODA?
Si a Balenciaga o Stéphane Rolland se les conoce como los arquitectos de la Moda, creo que Iris Van Herpen (1984) bien merece el título de escultora además de modista. En un momento en que todo parece inventado, esta diseñadora ha conseguido insuflar aire nuevo moviéndose entre la alta tecnología, la impresión 3d, la ciencia y el artesanado, à la quête de nuevos materiales y técnicas, concibiendo la moda como arte.
Pelleas et Méllisande
Es además noticia estos días porque creará 20 trajes para el Ballet Pelleas et Mélisande, compuesto por Claude Debussy y que será representado en la Ópera de Anvers (Francia). Sus diseños obviamente no son para la calle, para la vida diaria, pero creo que, como Lacroix, encaja perfecta en este medio, en los escenarios, tanto para obras nuevas, como para revisar el vestuario de los clásicos. Intentando imaginar cómo vestiría ella a Armida, la hechicera enamorada de Rinaldo, me despido hasta el próximo artículo.
Vestuario de Iris Van Herpen. Imagen de Vogue.
Un saludo y gracias por la lectura.
María Gondar para El Blog de Cruz Costa Costura.
BIBLIOGRAFÍA:
https://vestuarioescenico.wordpress.com/
http://www.opera-europa.org/es/recursos-de-pera/historia
http://www.filomusica.com/opera.html
https://www.artlyriquefr.fr/personnages/Bianchini%20Charles.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Lila_de_Nobili
https://www.opera-comique.com/fr/l-opera-comique/l-atelier-costumes-teinture-naturelle
https://www.olyrix.com/decouvrir-opera/metiers-de-lopera/6/le-costume-a-lopera-1-la-place-du-costume
http://www.elmundo.es/cultura/2016/05/21/573f44b246163ff17a8b45a0.html
http://www.itfashion.com/cultura/arte-y-parte/en-los-archivos-de-lacroix/
http://egiptologia.com/aida-y-mariette-una-opera-egiptomaniaca/
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