HISTORIA DE LA ROPA DEPORTIVA
Historia de la ropa deportiva
2020 será año olímpico. La ciudad de Tokio acogerá los Juegos de la XXXII Olimpiada desde el 24 de Julio al 9 de Agosto. Los organizadores nos hacen la boca agua asegurando que serán los más innovadores de todos los que se han celebrado. Y, conociendo la cultura tecnológica japonesa, mezclada con su amor por la tradición y las ceremonias, las emociones, el respeto, con su lucha contra la adversidad (el clima, la confluencia de las cuatro placas tectónicas sobre las que se encuentran…) y su manera de enfrentarse a ella con sabiduría, buscando la belleza, la seguridad, la conexión con la naturaleza en forma esos jardines sublimes, ¿cómo estamos?
Pues sentaditos esperando, frotándonos las manos, moviendo nuestras piernecillas inconscientemente, emocionados, a ver qué nos han preparado, como cuando mamá hace paella. (Porque las mamás también nos enseñan a sacar lo mejor de la adversidad, intentando crear hogar feliz con los medios que tienen. Buscan la perfección en lo que hacen, para nuestro disfrute y seguridad.)
KENGO KUMA
El arquitecto Kengo Kuma ha levantado su proyecto de Estadio Olímpico sobre el que se construyó en 1964. Se espera la conclusión de este proyecto para finales de este mes de Noviembre. Y el 21 de Diciembre podrá ser visitado, aunque para la inauguración, habrá que esperar hasta el gran día, el 24-06-20.
Kengo Kuma ha trabajado con madera de cedro, con formas de terraza, escalonadas, para mostrar al mundo que es factible la aplicación de la técnica tradicional japonesa para este tipo de construcciones de gran tamaño.
Leyendo sobre los proyectos de Tokio me he puesto ha pensar en también el diseño aplicado a la indumentaria, en su evolución. Y por eso comparto hoy este pequeño resumen de la Historia de la ropa deportiva.
Recuerdo que, desde pequeña, buscaba los horarios de emisión para ver Vela, Gimnasia Rítmica, Gimnasia Artística y Natación sincronizada. En cuanto a esta última disciplina confieso ser una gran admiradora. Y por supuesto, gran fan del equipo español, de su altísima calidad de puesta en escena, no sólo de sus técnicas deportivas, creatividad en las coreografías, sino también en la enorme originalidad de los diseños de sus bañadores y gorros, inspirados en las melodías.
EL EQUIPO ESPAÑOL DE NATACIÓN SINCRONIZADA
En el Mundial de este verano durante una de las pruebas, el equipo compitió al ritmo de una canción de AC DC, vestidas con unos bañadores que simulaban ser chaquetas de cuero rojo, muy rockeras. Antes de saltar a la piscina, subieron las cremalleras de sus “cazadoras”.
Equipo español de natación sincronizada, con sus cazadoras de cuero.
Imagen de El Mundo
Tenemos claro que el deporte es un catalizador para la evolución de la moda.
Su uso no se limita a las pistas deportivas, piscinas, etc. a la calle y las pasarelas de alta costura. Se asocia a la comodidad, a la vida sana y también al lujo.
¿Sabes cuánto qué gasto se estima en ropa deportiva para el próximo año?
1. HISTORIA DE LA ROPA DEPORTIVA:
A finales del siglo XIX el uso de la bicicleta lleva al uso de ropa más ligera para los hombres y al de la falda pantalón por parte de las mujeres. Los baños de mar dan lugar a los bañadores, aunque sabemos, por representaciones como la de la Villa romana del Casale, en Sicilia, que en el la Antigua Roma ya se utilizaban bikinis.
Durante los años 1870 y 90 los ingleses van introduciendo diferentes deportes en Francia, además de comercios especializados en equipamiento deportivo. Primero importan del otro lado del Canal de la Mancha, pero, paulatinamente, comienzan a fabricar en el país galo. Tunmen es el primero en instalarse en París y vende mallas para correr, nadar, jugar al fútbol..
Los Juegos Olímpicos modernos se celebran por primera vez en 1896. En las de París en 1900, las mujeres pueden participar en tenis, golf, vela, croquet… En 1904 también en tiro con arco.
La burguesía urbana de la Belle Époque hace deporte y la ropa se va especializando.
Con el esquí aparece el anorak, con el golf el cardigan y los polos…
¿Y el pantalón Jodhpurs? Es un tipo pantalón de equitación, bastante holgado en la parte superior, con una pieza en la entrepierna hasta la rodilla como refuerzo de esta parte, que está en contacto con el caballo; y ajustado del tobillo a la rodilla para evitar pliegues en las botas de montar. Lo importan de la India los oficiales ingleses. Fue creado para Pratap Singh, hijo del maharajá de Idar, Regente de la ciudad de Jodhpur, quien era un jugador de polo nada satisfecho con sus pantalones de montar. El Jodhpur es una revisión de antiguo pantalón indio Churidar, ajustado hasta la rodilla y holgado en la cadera, y se convierte en el uniforme de muchos equipos de polo de la India.
En la década de 1920, algunos diseñadores, como Elsa Schiaparelli, comienzan a interesarse la indumentaria deportiva, que poco a poco se va introduciendo también en la vida diaria, en la ropa de calle.
¿Qué animalito viene a tu cabeza si digo “tenis”? Sí, el cocodrilo. Las chicas con falda plisada y los chicos con el polo Lacoste, creado en 1927. Aquellos primeros de algodón y hoy en día, la mayoría, en fibras sintéticas como el polyester, para facilitar movimiento y liberación de sudor.
FÓRMULA 1 Y TRAJES IGNÍFUGOS
Piensa ahora un momento en un piloto de Fórmula 1. ¿Cómo lo estás visualizando en tu cabeza? Perfectamente vestido, protegido, con la más alta tecnología textil para evitar arder en caso de accidente, para poder transpirar, etc… Pues no siempre ha sido así.
El primer campeonato se celebra en 1950 y los pilotos llevan una camisa de algodón, casco y guantes de cuero y SIN cinturón de seguridad. Pero en los 70 todo esto se modifica. Tras el accidente de Niki Lauda (fallecido este 2019) en el que las llamas le desfiguran cara, cabeza y manos, se toma conciencia de la importancia de la seguridad.
Los trajes pasan a ser ignífugos desde 1975, cuando la Federación Internacional de Automovilismo lo dispone como requisito indispensable. Como exigencia deben tener la capacidad de resistir las llamas hasta once segundos (tiempo de poder abandonar el vehículo en caso de incendio). Los científicos de Dupont crean en 1961 la fibra Nomex® (se comercializa desde el 67), que funciona como barrera entre el fuego y la piel. Es una variación del kevlar, flexible y parecido al nylon. Y este material pasar a ser el uniforme de los pilotos.
Desde la ropa interior hasta el traje, todo es de Nomex®. Los guantes también, aunque lo combinan con cuero, para mejorar el agarre al conducir.
EL GOLF
Para muchos, el golf es uno de los deportes más estrictos con su vestuario, aunque para otros, las normas de indumentaria son equiparables a las de otros deportes, como pueden ser el fútbol o el baloncesto. Quizás la idea de que es más estricto se deba a que la ropa de golf no es de deporte, sino más bien, de calle; pero en la que no todo está permitido, o tal vez al hecho de ser uno deportes en los que menos se ha modificado el atuendo a la largo de esta Historia de la ropa deportiva. O que se asocia al lujo, a un deporte para élites y, quizás, intensifica esa sensación de normas arcaicas.
Existe actualmente un debate sobre si las normas deberían relajarse y adaptarse más al momento, como hacen otras disciplinas deportivas o, por el contrario, mantener la tradición. Por ejemplo, Tommy Fleetwood, número 1 europeo, quiere que se permita practicar golf en chándal.
No existe un reglamento internacional con una lista de vestuario apropiado o prohibido. Son los clubes los que deben decidir cómo visten sus socios, con sus propias reglas. Pero, aunque haya unos clubes más exigentes que otros, en todo el mundo, la tradición funciona como norma global:
-Están prohibidos los vaqueros, las mallas, los pantalones de camuflaje o los ya mencionados chándal. Deben ser largos y, si son cortos, no se permiten shorts, sólo bermudas por debajo de la rodilla o 10 cm por encima de ésta.
-Las camisas o polos deben tener cuello y siempre deben estar metidas dentro del pantalón.
-Las gorras deben llevar la visera hacia delante.
-No se permiten zapatillas deportivas, sólo zapatos de golf.
LA GIMNASIA RÍTMICA
Me he inspirado en el kimono japonés para estos maillots de gimnasia rítmica. (Historia de la moda deportiva).
¿Recuerdas a Jean-Jacques Rousseau? Si no has leído más sobre él, al menos tienes ese recuerdo de los apuntes del colegio, de hombre ilustrado, aunque separado de otros protagonistas de la Ilustración, como Voltaire. Conoces su frase: “El hombre es bueno por naturaleza”. Quizás lo recuerdes como impulsor de la Revolución Francesa. Y ahora no entiendes por qué hablo de él justo debajo de un subtítulo que pone “La gimnasia rítmica”, en un artículo sobre la Historia de la ropa deportiva.
Pues porque Rousseau es un polímata, un hombre dedicado a la Escritura, la Filosofía, la Música, la Botánica, y la Pedagogía.
Y en esta última disciplina, en la Pedagogía, establece los primeros principios de la gimnasia deportiva, integrando el ejercicio corporal como parte de la educación de un niño, intentado desarrollar todas las potencialidades, ya que antes no se incluían aspectos corporales.
Pedagogos y médicos como Peter Henrik Link continúan desarrollando estas ideas, intentando que los niños expresen sus sentimientos y emociones a través del movimiento.
A partir de 1890 el suizo Dalcroze desarrolla un método musical. La bailarina Isadora Duncan desarrolla ejercicios de gimnasia. Y con Rudolf Bode, alumno de Dalcroze, nace la gimnasia moderan.
La indumentaria también se rige por ciertas normas:
- los maillots no pueden ser transparentes. Las gasas y encajes van forrados de color piel.
- el escote no puede bajar de la línea de la mitad del esternón (delantero) y de la línea inferior de los omóplatos (espalda).
- el corte del maillot en la pierna no puede sobrepasar el pliegue de la ingle. Está permitido el mono, pero con las dos piernas del mismo color, aunque pueden variar las decoraciones.
- si se compite en equipo, se hace con trajes idénticos, aunque se permiten pequeñas diferencias en estampado, debido al corte del tejido.
- se pueden llevar medias, mallas, puntos de sutura, adornos, cristales Swarovski…
- si lleva falda, no puede quedar más baja que la pelvis.
QUÍMICA Y TECNOLOGÍA, GRANDES AMIGAS DE TODA LA VIDA DEL TEXTIL DEPORTIVO.
La ropa deportiva se ha convertido en un elemento importantísimo de las competiciones, tanto por estética como por rendimiento o seguridad. Los textiles para deporte están siempre a la vanguardia de investigaciones para mejorar resistencia al fuego, al frío, al agua, facilitar la transpiración (para que no huela mal, no se moje…), para proteger contra los rayos del sol o incluso para permitir ser atravesados por ellos y no dejar marcas de bronceado, para facilitar el movimiento, ir más rápido (diseños aerodinámicos).
Xiaomi acaba de presentar hace unos meses una camiseta que mide el pulso. Los elementos electrónicos, un chip en la parte delantera, no se perciben en el textil. Lleva una batería, recargable por USB, colocada en la espalda y el precio, 25 euros, la hace muy asequible.
LAS FIBRAS SINTÉTICAS:
El desarrollo de las fibras sintéticas ha abierto un abanico de posibilidades y funcionalidades enorme, desarrollando el campo textil en un modo inimaginable hace años.
Con los polímeros, por ejemplo, se puede conseguir que un traje completo de deporte tenga unas características concretas en diferentes zonas, porque, por ejemplo, no necesitamos el mismo aislamiento térmico en el tronco que en las piernas.
Las fibras antibacterianas, mediante principios activos, evitan los malos olores de la transpiración.
Los polipropilenos, como no son amigos del agua, se secan a gran velocidad.
GORE-TEX
En 1958 el ingeniero químico Bill Gore descubre un polímero llamado politetrafluoroetileno (PTFE), que utiliza para el aislamiento de cables. Lo conoces por su nombre de marca, el Teflón. En 1969 consigue desarrollar un hilo que permite escapar la transpiración, pero que, a su vez, impide el paso de gotas de agua, el politetrafluoroetileno expandido ePTFE. Es así cómo nace el conocido Gore-Tex.
En 1976 crean la primera colección con este material para deporte y ocio. En 1979 lo incorporan al traje de los bomberos norteamericanos y hoy en día es utilizado en todo el mundo, en equipamiento náutico, en ropa militar, etc.
CUIDANDO EL PLANETA.
Pero no todo debe ser buscar un mayor rendimiento en la competición, o un mayor confort cuando practicamos deporte. Es imperativo que, con cada gesto, con cada producción, tomemos conciencia y pongamos nuestra participación en la sostenibilidad y lucha contra la contaminación y destrucción, seamos fabricantes o consumidores. Por nuestro bien y para nuestro propio beneficio. Por tener un planeta en el que nadar o correr.
Malden Mills® crea en 1979 un tejido térmico de poliéster. La idea es desarrollar un producto con las cualidades de la lana, pero sin sus inconvenientes, que mantenga la piel caliente y seca. Se inspira en la piel de los osos polares, de ahí el nombre del invento: la fibra polar. Desarrollan varios tejidos como el Polarplus, Polarlite… Pero, finalmente deciden englobar todos en la firma Polartec®, que es utilizada por muchas marcas de alta gama del mundo (los más baratos son versiones aproximadas sin las mismas cualidades técnicas).
¿Sabes con qué se fabrican ahora? Polartec® sigue pensando en los osos, en el deshielo y en la fabricación con material reciclado. Crean en 2012 la serie Polartec ® Recycled. Cada chaqueta utiliza una media de 25 botellas de plástico de 2 litros. En el 2015 reutilizan un millar de estos envases.
El tejido no es impermeable, aunque combinado con otras fibras y acabados sí consigue esta función.
LA POLÉMICA: ROPA TECNOLÓGICA EN COMPETICIÓN. ¿SÍ O NO?
Como cierre a esta Historia de la ropa deportiva, retomo la apertura.
Volvamos a los Juegos Olímpicos. Natación. ¿Te suena la marca Speedo?
En el 2008, Michael Phelps, Amanda Beard y Natalie Coughlin exhiben unos trajes desarrollados por una empresa italiana (Mectex) junto al Instituto Australiano de Deporte y con colaboración de la NASA, que aporta tecnología, como un software de análisis de fuidos. Petratex, una empresa portuguesa, los fabrica. Son los LZR.
Comprimen el cuerpo, de modo que es más aerodinámico, favorecen la oxigenación de los músculos, y están cosidos con ultrasonido para evitar costuras que provoquen turbulencias o fricción. Repelen, también, el agua. Su precio: 470 euros.
La polémica:
La FINA aprueba su uso con la condición de que esté disponible para todos los participantes de los Juegos de Pekín 2008.
Sin embargo, algunos, como el ex nadador Kierin Perkins se oponen. Perkins alega que tanto el precio como acuerdos comerciales puedan desfavorecer a competidores, y que una ventaja tecnológica de unos sobre otros gracias al equipamiento va en contra de este deporte.
Los equipos sin acuerdo de Patrocinio con Speedo están en desventaja. El 94% de las pruebas son ganadas por nadadores con este traje, y el 98% de medallistas también lo utilizan.
Esto provoca una oleada de críticas, comparándolo al dopaje. Y en 2010, la FINA decide prohibirlo.
Desde el 2010 el bañador de hombre no puede pasar del ombligo o ser más largo de la rodilla, y para mujer, no puede cubrir ni los brazos ni el cuello. Además, facilitan una lista con 202 bañadores permitidos y un participante debe debe notificar con un año de antelación qué prenda utilizará en los Juegos.
En 2012 Speedo presenta un nuevo traje, el Fastskin 2, pero Arena, con su Powerskin Carbon-Pro lo supera.
En Speedo alegan que el deporte debe ir ligado a la tecnología, al avance.
¿Qué opinas?
Está claro que ambos deben ir de la mano. Todo lo que sea mejorar rendimientos, seguridad y confort debe ser bienvenido; pero en una competición, estoy de acuerdo con los que se oponen. El avance tiene que ser posible para todos, sin ventajas que se compren. Al igual que cuando en Fórmula 1 los trajes pasaron a ser ignífugos.
Los coches de rally no compiten contra bicicletas. La habilidad, potencia, resistencia y técnica del deportista no son comparables si se juega con diferentes medios.
Espero que te haya gustado este repaso a la Historia de la ropa deportiva.
Un saludo.
María Gondar.
Artículo: Historia de la ropa deportiva.
Historia de la ropa deportiva
READ MORELA GABARDINA SE FUE A LA GUERRA. NO SÉ CUÁNDO VENDRÁ. DO RE MI-DO RE FA
LA GABARDINA SE FUE A LA GUERRA. NO SÉ CUÁNDO VENDRÁ. DO RE MI-DO RE FA
¿Te preguntas por qué este título tan raro para un artículo sobre la Historia de la gabardina?
Recordarás la canción “Mambrú se fue a la guerra”. Pues la gabardina también lo hizo.
Quizás no te hayas planteado nunca por qué llamas trench a esta prenda. Pues porque trench (inglés) significa zanja o trinchera, y la Primera Guerra Mundial fue también conocida como Guerra de trincheras y este tipo de abrigo, revolución de la confección, ayudó a los soldados a protegerse de la lluvia y del frío en el campo de batalla. (Trench coat= abrigo de trinchera).
¿Sabes quién fue su creador?
1. LOS CREADORES DE TEJIDOS IMPERMEABLES
Seguro que sí y puede que cada temporada no te pierdas el desfile de esta marca en la Fashion Week of London. Fue Thomas Burberry; pero mucho antes hubo otros creadores de tejidos impermeables, como los indígenas de Sudamérica, que cubrían su ropa con savia del Hevea brasiliensis (caucho) y a los considero necesario mencionar, para comprender bien cómo nace la gabardina.
Años después del descubrimiento de esta técnica indígena por parte de lo colonos americanos, el químico inglés Charles Mackintosh inventa un tejido impermeable uniendo dos capas de tela de algodón con una solución de caucho natural en nafta, y lo patenta en 1823. Y John Emary, fundador de Aquascutum (escudo contra el agua), en Londres, patenta en 1853 el primer tejido hecho con lana impermeable. Los soldados británicos que participan en la Guerra de Crimea (1853-1856) llevan sus abrigos.
2. LA GABARDINA DE BURBERRY
Thomas Burberry funda su firma de ropa con 21 años, en 1856, con la intención de crear prendas que protejan del clima británico, del frío y la lluvia. Se dice que en 1879 se encuentra con un pastor de su región, quien tiene una chaqueta impermeable. El pastor le explica utiliza un producto para bañar a sus ovejas y que su lana resulte brillante y que, durante el baño, su propia chaqueta acaba empapada. A partir de ese encuentro, Burberry idea y crea el tejido gabardina, impregnando el hilo, en lugar de la prenda finalizada, como en el caso del pastor. Presenta la patente en 1888 y la fabrica, en exclusiva, hasta 1917.
¿Y de dónde sale el nombre?
Se inspira en El Mercader de Venecia, de Shakespeare, concretamente en el personaje de Shylock, quien lleva “jewish gaberdine”, una especie manto judío medieval. (Puedes leer la historia de la marca en su página web).
Esta creación supone una revolución tecnológica en la confección. En 1901 el Nobel de la Paz Dr Fridtjof Nansen la utiliza en una exploración al Círculo Polar Ártico y Sir Ernest Shackleton la lleva a todas sus expediciones del siglo XX. En 1908, el General de Brigada Edward Matland también se la lleva a su viaje en globo del Crystal Palace a Rusia (1800 km).
En 1912 la firma patenta el modelo TIELOCKEN, que es considerado en predecesor de trench-coat.
Gabardina Tielocken. Imagen de aviationancestry.co_.uk_
3. EL TREANCH COAT EN LA PRIMERA GUERRA MUNDIAL (1914-1918). DO RE MI, DO RE FA.
Hasta 1850 visten unos incómodos abrigos de lana, largos y pesados.
Los uniformes de los soldados suelen hacer referencia a las banderas nacionales; pero los británicos, desde el motín de India de 1857, apuestan por el color khaki o caqui (palabra india que significa arena).
La introducción de la gabardina supone para los soldados ligereza, protección contra la lluvia, el barro…
¿Recuerdas en el artículo anterior sobre los tejidos acolchados (quilt) y las armaduras medievales? Muchas de las prendas que utilizamos está o estuvo muy vinculada a la tecnología de guerra, tanto por materiales, formas o colores (camuflajes).
Este trench coat militar lleva unas hombreras que permiten colgar el equipamiento. Tiene, también, unas piezas superpuestas en la parte superior delantera y espalda para permitir que el agua de lluvia resbale y no se moje por completo el abrigo. En las charreteras se lucen los rengos, y los estuches con mapas se pueden colgar con anillas a los agujeros con remaches del cinturón.
Sin embargo, no todos los soldados tienen gabardina en lo primeros años de la Guerra de Trincheras. No es hasta 1917 que la oficina de guerra, ante un ejército mucho mayor, ordena a empresas civiles (como las mencionadas Aquascutum o Mackintosh) los trench coat (abrigo de trinchera) y Burberry pierde la exclusiva.
Imagen de Pinterest
Además, con la fabricación masiva, su uso se extiende también a la población, a quienes impresionaba este look militar patriótico.
4. LOS INVESTIGADORES PRIVADOS DE HOLLYWOOD LLEVAN GABARDINA
Me gustaría que intentases recordar tres o cuatro personajes de cine o televisión, o si prefieres, literarios, que sean representados por la gabardina.
Yo he pensado en estos: el Inspector Colombo, con aquella misma gabardina arrugada que lució en 8 temporadas de la serie (cuyo primer capítulo fue dirigido por Steven Spielberg, en 1971). He recordado también a Humphrey Bogart en Casablanca o El Halcón Maltés, a Audrey Hepburn y George Peppard besándose bajo la lluvia -pero protegidos con sus trench- en Desayuno con Diamantes, a Steve McQueen en Bullit y en Sophia Loren en La llave . Y, cómo no, en el Inspector Gadget, personaje de dibujos animados.
¿Hemos coincidido en algunos?
Como ya sabías y acabas de ver en la galería anterior, Hollywood pone su grano -o, más bien, puñado- de arena a la causa, dándole a la gabardina un toque sofisticado. La asocia al buen vestir, a hombres y mujeres con carisma, comprometidos, misteriosos: periodistas investigando casos de corrupción, investigadores privados contratados para vigilar cónyuges infieles haciendo sus esperas bajo ventanas con gabardina, sombrero, cigarro y periódico, para disimular; espías de la CIA, escritores, gansters de Chicago, ejecutivos de Wall Street… Bueno, también a exhibicionistas. Y esta idea de “bien vestido” es la que permanece en nuestras mentes.
5. EL TRENCH NO SÓLO ES IMPERMEABLE, ES TAMBIÉN INCOMBUSTIBLE.
Gabardina de Alexander McQuenn, 2018. Imagen de Vogue.
Y con incombustible me refiero a que no pasa de moda. Temporada tras temporada vemos cómo aparece en las colecciones de marcas y diseñadores.
No todo el mundo tiene una; pero gran parte de la población, sin temor a exagerar, puede decirse que sí -yo tengo tres en el armario: dos de estilo clásico en color beige (de Henry Arroway y Adolfo Domínguez) y una versión en piel negra con acabado en purpurina y ribetes fucsia, que guardo como un tesoro (de Custo Barcelona)-.
De hecho, si lees revistas o blogs de Moda y tendencias, cuando los septiembres publican decálogos de básicos para la vuelta al trabajo, la gabardina no suele faltar en estas listas de imprescindibles, tanto la versión masculina y femenina e incluso para niños.
6. GABARDINA Y DISEÑO DE MODA
Para darte una muestra de los diferentes diseños de gabardina, he hecho una pequeña selección de modelos de alta gama, algunos manteniendo formas muy clásicas y otros buscando nuevas formas y materiales.
La actriz de Bollywood, Priyanka Chopra con un espectacular diseño de gabardina con cola.
Finalmente, para cerrar este artículo y como lo he hecho con los anteriores, añado unos propios diseños ilustrados de gabardina y un vestido con sobrefalda inspirado en esta prenda, como humilde aportación y porque me encanta diseñar y dibujar y me lo tomo como proyecto personal de trabajo, aquí . Espero que te gusten, y si eres diseñador o deseas serlo, inténtalo tú también.
Post-Scriptum: te recuerdo que ya es Otoño y ha empezado la temporada de peli, sofá, mantita y galletas; así que te propongo alguna con gabardinas. Tienes muchas para elegir.
Gracias por permitirme el tuteo, por leerme y por compartir este enlace.
Gabardina con piezas acolchadas en hombro y mangas. El zapato está inspirado en el cuello subido de una gabardina.
Diseño de gabardina con dos capas para dar mayor abrigo. Una capa en tejido gabardina y otra en piel (pelo). El bolso en charol y lentejuelas.
Vestido recto inspirado en la gabardina. La forma del escote está relacionada con la pieza delantera superpuesta en los trench. El clutch es en charol y también está inspirado en estas piezas.
María Gondar para el blog de Cruz Costa Costura.
La gabardina se fue a la guerra.
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Quilt, Matelassage o Acolchado. Del gambesón medieval a nuestros días.
Quilt, Matelassage o Acolchado. Del gambesón medieval a nuestros días. Descubre la historia de este tipo de confección y las prendas que se han convertido en incontournables.
Seguro que tienes un sac matelassé o una quilted jacket en el armario; puede que de Chanel, Husky o Barbour o de cualquier otra marca, porque el uso de esta técnica es todo un clásico, y no sólo para las temporadas más frías y lluviosas, sino también en algunos complementos y prendas de primavera y verano.
1. LA TÉCNICA
Existen diferentes técnicas de acolchado; pero, en general, se realiza con tres capas, como un sándwich: dos tejidos con un relleno interior. Y, mediante puntadas, se realizan los relieves. En ocasiones este tipo de trabajos se combinar con técnicas de patchwork.
2. HISTORIA
¿A que no imaginabas un uso guerrero para este tipo de prenda?
Pues esta técnica de confección se utilizaba en armaduras de caballeros (bajo la cota de malla y la armadura metálica) y samurais. Esta pieza se llamaba gambesón y servía de protección contra las rozaduras de la armadura. Se cree que su uso en Europa fue anterior; pero está constatada la revolución y evolución de su uso en Inglaterra, a finales del siglo XI, cuando pasó a utilizarse también como versión exterior, en cuero o lonas pesadas, y no sólo como protección interior bajo la malla.
En la Biblia Maciejowski o Biblia de los Cruzados (documento de 46 páginas, considerado obra maestra del gótico, actualmente en el Museo Morgan de Nueva York), se muestran diferentes diseños de gambesones.
Biblia Maciejowski. Gambeson con 5 dedos. Imagen de Pinterest
3. EL CÉLEBRE BOLSO GUATEADO DE COCO CHANEL 2.55
El 2 de Febrero de 1955, Gabrielle Chanel lanzó el célebre bolso (sac matelassé) 2.55 (haciendo referencia al mes y año de lanzamiento, como hacía con los perfumes).
No está clara la inspiración que dio lugar a esta pieza tan repetida, copiada e inspiradora de nuevos diseños. Existen diferentes teorías, como que se inspiró en las chaquetas de los jockeys de los campos de carreras, o en cojines, ya que este tipo de acolchado también se utilizaba en sillones, textil de hogar…
Pero lo importante es el gran éxito de esta pieza, que se convirtió en un emblema más de la Maison.
Coco Chanel con su icónico bolso 2.55
4. LA QUILTED JACKET
Este clásico inglés fue creado por un aviador estadounidense, Steve Gulyas, en 1965. Tras la guerra se instaló en Inglaterra y abrió varias tiendas. Creó esta prenda, junto a su esposa Edna, para pescadores y cazadores, con grandes bolsillos para cartuchos. Como tenía un perro husky, Husky fue el nombre que le dio a la prenda. En su origen esta hecha de nylon (100%) y el interior con sólo 80 gramos de polyéster, lo que la hacía muy liviana. Protegía del frío y de la lluvia, gracias a sus tejidos y al aire atrapado en el relleno interior.
Asociamos esta imagen a la Reina Isabel II de Inglaterra, a Lady Di, durante sus jornadas de caza o paseos por la campiña, con sus perros.
Lady Di con chaleco Husky acolchado. Imagen de ABC
Treinta años después Gulyas vendió su negocio a Saviero Moschillo y actualmente fabrica estas prendas totalmente en Italia. Y hoy en día hay versiones de la prenda en muchísimas marcas. (www.husky1965.com)
5. MI PROPUESTA
Como hoy iniciamos el Otoño, y en mi región, Galicia, somos muy de necesitar paraguas en esta época del año, he diseñado una gabardina blanca, con piezas acolchadas en el cuerpo y godets, todo en nylon negro. Resistente al agua, calentita y muy frufrú.
Un saludo, hasta el próximo artículo.
María Gondar.
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Historia del caftán, de Zyriab a Tamy Tazi
Historia del caftán, de Ziryab a Tamy Tazi.
He aprovechado este post para añadirlo al curso de Diseño e Ilustración de Moda del Blog, de modo que, al final, dejaré un ejercicio para quienes haya interesado el tema y deseen utilizarlo como material para diseño e ilustración, practicando esta vez la superposición de capas al aplicar el color.
Además, los amantes de la cocina, de la mano de Bodegas Mezquita, que muy amablemente me han permitido compartir su publicación, descubriréis una receta histórica directamente vinculada a un influencer medieval del caftán.
O sea, que el tema viene bien completo y aprovechadito.
INTRODUCCIÓN:
El objetivo de este artículo es la continuación de mi estudio personal sobre la Historia del Traje y su relación con la sociedad, la religión, la tradición, la artesanía, las revoluciones sociales, los movimientos artísticos, etc.
Llegó a mis manos, -o hice llegar- un ejemplar de la revista Gazelle Mag, para las mujeres del Magreb, dedicado a las bodas y ahí estaba esperándome el caftán, esta prenda que nos suena a atuendo de playa en sus versiones más sencillas o a vestimenta de la casa real alauí. En el ejemplar se mencionaban diferentes talleres de producción de caftanes; así que decidí conocer su historia.
Miembros de la Casa Real alauí. Imagen de gabinetedeprotocolo.com
Normalmente, cuando buscamos documentación sobre un tema en Internet nos encontramos con muchos artículos, reportajes, estudios, en ocasiones tan repetidos que se hace complicado averiguar rápidamente quién es el autor y quiénes se han limitado a copiar y pegar el trabajo de otros.
Me ha sorprendido no encontrar demasiada información sobre la diseñadora marroquí Tamy Tazi, dada la calidad de sus creaciones, la importancia de su trabajo, que ha revalorizado el artesanado textil de su país, respetando la tradición y al tiempo adaptando esta prenda tradicional a la moda del siglo XX y XXI, o la relación tan próxima que tuvo con Yves Saint Laurent, a quien conoció en Marrakech y Pierre Bergé.
He encontrado unos cuantos vídeos y artículos en Francés e Inglés y nada en Español, a pesar de la relación de la creadora con nuestro país (estudió Filosofía y Letras en Granada).
ORÍGEN, EXTENSIÓN Y EVOLUCIÓN DEL CAFTÁN.
Pero antes de revisar la obra de esta couturière, vamos a viajar al pasado, hasta Persia, para conocer el origen del caftán.
Fue en este país (actual Irán) donde se originó (khaftane). Durante el siglo VII los califas comenzaron a utilizar moda iraní, introduciéndose así en el Oriente musulmán. Los omeyas (califato) los trajeron hasta Al-Andalus (Andalucía), y los conquistadores árabes los llevaron a Marruecos.
ZIRYAB
Si eres andaluz, quizás conozcas un plato a base de judías blancas secas en salazón y asadas, conocido como ziriabí. Esta receta debe su nombre a Abú aI-Hasan Alí ibn Nafi, conocido como Ziryab (Mirlo Negro), por su color de piel y su bella voz. Ziryab era poeta, compositor, cantante y gastrónomo. Nació en Mosul y falleció en Córdoba, (Al-Andalus) en el año 857. Fue acogido en el califato por el monarca Abderramán II y no sólo innovó en la música, sino que se le atribuye una gran influencia en la alta sociedad cordobesa, aportando exquisiteces de Oriente, utilizar copas de cristal o manteles, el juego del ajedrez, el consumo de espárragos trigueros, peinarse con flequillo y, algo que nos interesa mucho en este artículo, el uso del caftán. Se dice que las mujeres árabes, admiradoras de su estilo, comenzaron a vestirlo, eso sí, adaptado a las formas femeninas
¿No crees que es apasionante ver cómo se mezclan la historia de la Moda, de la Música o la Gastronomía?
En el blog de la web de las Bodegas Mezquita, tienen un artículo muy interesante sobre Ziryab y su receta. Te animo, pero sólo una vez que hayas terminado este artículo, no te escapes antes de tiempo, a hacer click y descubrir cómo preparar este aperitivo histórico.
Volvamos mientras a nuestra prenda.
La expansión del Islam extendió su uso, sin embargo, en cada país, la prenda evolucionó de diferentes formas.
Caftanes en el Imperio Otomano:
Se bordaban, normalmente, por delante y en las mangas, y se adornaban con diferentes cintas, colores y motivos que señalaban el rango de quien lo llevaba.
En el Palacio de Topkapi, en Estambul, una de las colecciones principales está dedicada a esta prenda.
En 1922, Mustafa Kemal Ataturk, padre de la Turquía moderna, derrocó al sultán otomano y prohibió el uso del caftán, para promocionar los atuendos de Occidente.
Caftanes de Marruecos:
Los primeros caftanes de Marruecos son de los siglos XV y XVI. Los aportes de Persia, de los otomanos, junto al de Al-Andalus, enriquecieron el artesanado de la zona.
Cada una de las villas imperiales (Fez, Tetuán, Rabat, Chefchaouen…) tiene su propio caftán. Los caftanes de herencia andaluza perduran hasta hoy, y son utilizados por las mujeres en celebraciones como matrimonios, cumpleaños… No sucedió lo mismo en otros países, en los que su uso fue desapareciendo.
Caftanes de Argelia:
El caftán de Argelia es más corto, hasta la rodilla o muy poco más, y aún puede verse en Tlemcen.
En este país, el traje tradicional fue variando en cortes y técnicas de bordado con la llegada de musulmanes y judíos expulsados de España.
Caftán de Argelia. Imagen de Un pays d’identité. WordPress.
En el siglo XIX nació el Karakou, una evolución de caftán en una forma muy refinada.
El Caftán ruso:
En Rusia también aparece el término caftán, aunque se refiere a otra prenda: una túnica masculina muy ancha y con mangas ajustadas. El zar Pedro I prohibió su uso, al igual que Mustafa Kemal Ataturk, con la intención de occidentalizar la vestimenta.
LA IMPORTANCIA DE LA OBRA DE TAMY TAZI.
Forma ya parte de la Historia del caftán. Es una de las más importantes creadoras de alta costura en Marruecos. Se formó en Literatura y Filosofía en España, en Granada, ciudad a la que asegura tener mucho cariño. En 1953 conoció al que luego sería su marido y regresó a su país de origen. Su amiga Aline Griffith, la fallecida Condesa de Romanones, escritora y ex agente del OSS estadounidense, que era imagen de Vogue España, la animó a dedicarse a la Moda.
Tamy Tazi junto a Aline Griffith, Condesa de Romanones. Imagen de Pinterest.
En Marrakech conoció a Yves Saint Laurent, con quien comenzó una amistad que perduraría durante años, y posteriormente a Pierre Bergé. Saint Laurent admiraba su trabajo y reconoció la influencia de la modista y de Marruecos en su obra.
La diseñadora empezó creando trajes compuestos por chaqueta y falda larga, pero pronto su mirada se enfocó en el traje tradicional y en sus técnicas de confección y bordado.
El valor de Tamy Tazi está en su respeto por el pasado, su pasión por el artesanado, no sólo de su país sino de sus vecinos (es coleccionista de bordados y tejidos bereberes) mezclado con su intención de modernizar a la mujer marroquí. Aúna pasado y futuro con destreza y buen gusto. Explica que los caftanes tradicionales le parecían muy cuadrados y pesados, así que aligeró tejidos y ciñó siluetas.
A partir de la Randa, un fino encaje que realza el cuello de los camiseros masculinos, creó su famosa Chbika. Alargó la Randa con motivos geométricos y figuras animales o florales. Trabajó también el arte del Mâalem, con hilos de oro y plata.
Para conmemorar sus 40 años como diseñadora, en el 2015 se celebró una exposición en el Hotel Royal Mansour de Marrakech.
Y, como he anunciado al principio del artículo, para los que estéis siguiendo los temas del Curso de Diseño e Ilustración de Moda del Blog, os dejo un ejercicio muy completo, junto a una técnica de dibujo para practicar, la superposición de capas (the layering technique). Haced click sobre la imagen siguiente para descargarla en PDF, lista para imprimir.
Me despido con una ilustración y diseño de caftán. Hasta el próximo artículo.
DISEÑADORES DE VESTUARIO ESCÉNICO PARA ÓPERA.
DISEÑADORES DE VESTUARIO ESCÉNICO PARA ÓPERA
Hace unas semanas me encontraba dibujaba unas ilustraciones para camisetas escuchando Francesca da Rimini, y pensaba que Rachmaninov no me estaba ayudando nada a tener más inspiración, pero sí estaba haciendo del momento de frustración, nada productivo ni creativo, un rato muy agradable.
Entonces, la explotada neurona que me queda pasó de la concentración a la divagación, se fue de paseo a la ópera, y me hizo pensar que estaría muy bien poder diseñar vestuario para este tipo de espectáculos. Y así nació la idea para este artículo.
Hacer una lista de diseñadores para ópera haría el texto demasiado extenso, así que me he limitado a escoger a algunos de los más destacados, por su pasión, audacia, por su método de trabajo, o por cómo de rebote alguno acabó diseñando vestuario a pesar de no ser su oficio e incluso caeré en el cotilleo contando algún truculento detalle personal.
MARIETTE Y EGIPTO:
François Auguste Ferdinand Mariette (Boulongne-sur-Mer, Francia, 1821- El Cairo, Egipto, 1881) no se imagina mientras da clases de dibujo en Stratford (Inglaterra),durante 1839 y1840, que acabará siendo un experto en Egiptología y como tal colaborará en la representación de Aida en El Teatro de Ópera del Jedive, en el Cairo, el 24 de diciembre de 1871.
De profesor de dibujo a egiptólogo
En 1841 descubre en el Museo de Boulogne algunos objetos egipcios y queda impresionado. En 1845, su primo lejano Nestor L’Hôte, dibujante de gran talento que acompaña a Jean François Champollion en Egipto, muere. Mariette es el encargado de clasificar sus papeles y dibujos, y descubre la Egiptología. Estudia los jeroglíficos, el copto, el sirio, el arameo y renuncia a su plaza de profesor por un puesto mal pagado en el Louvre.
El Escriba sentado
En 1850 es enviado a Egipto para adquirir unos manuscritos en copto, pero esta misión fracasa y decide, sin permiso y a escondidas, utilizar los fondos para excavar Saqqara, donde encuentra primero una esfinge y después desentierra algunas más, además de la estatua del Escriba (Museo del Louvre, París). Este es sólo el principio de la carrera de uno de los padres de la Egiptología y fundador del Museo del Cairo.
Aida
Pero volvamos a Aida (ópera que trata de una princesa etíope prisionera en Egipto): el jedive de Egipto, Ismail Pacha encarga a Verdi una oda para conmemorar la apertura del Canal de Suez, pero Verdi declina la invitación alegando que él no realiza “piezas ocasionales”. Pachá intenta convencerlo nuevamente, al tiempo que también lo hace con Gounod o Wagner. Finalmente, cuando Verdi lee el argumento escrito por Mariette, acepta componer una ópera. El despliegue escénico es grandioso. Mariette crea los personajes, el vestuario, los decorados, inspirándose en las pinturas de la tumba de Ramsés II y en los colosos ornamentales de su templo en Madinet Habu, por ejemplo. La corona que ciñe Amneris es de oro macizo. En los figurines que se muestran a continuación, puede apreciarse el trabajo detallado del diseñador.
Ilustración de personaje egipcio para Aida, por Mariette. Imagen de “Amigos de la Egiptología”.
Personaje etíope para Aida, por Mariette. Imagen de “Getty Images”.
CHARLES BIANCHINI Y LAS VALKIRIAS:
Antoine Charles Bianchini, (Rhône, 1859- París, 1905), conocido como Charles Bianchini es un diseñador francés de vestuario escénico para teatro. Aunque su padre lo envía a Inglaterra para estudiar Comercio e Inglés, su verdadera vocación es el Teatro; desde la administración hasta la puesta en escena o el vestuario.
Comienza diseñando trajes de fantasía para revistas, y recorre Holanda con una troupe, y poco a poco, su vocación se va centrando en la puesta en escena. Unos años más tarde debuta con Eldorado, después monta Sigurd para Bruselas, vuelve a hacerla en Lyon y llama a la Ópera de París para solicitar representarla allí, solicitud que le es concedida y vende para ello sus muebles para financiar el proyecto.
Diseñador de la Ópera de París
Y en 1883 se convierte (hasta su muerte) en el diseñador titular de esta Ópera, además de crear para otras escenas, en especial para la Ópera Cómica. Posteriormente monta Les Deux Pigeons, Patrie !, la Dame de Monsoreau, Roméo et Juliette, la Tempête, le Rêve, Ascanio, le Mage.
Para la Opéra-Comique: Madame Turlupin, le Roi d’Ys, l’Enclume, l’Escadron de la Reine, Esclarmonde, Dante, la Basoche; à l’Odéon, Caligula, además de otras piezas de Ambigu.
La Walkyrie
En 1893 diseña el vestuario para La Walkyrie de Wagner (la segunda de las cuatro óperas que componen El anillo del nibelungo, inspirada en la mitología nórdica, y cuyo fragmento más conocido es “La cabalgata de las valkirias”), con un estilo muy realista.
Figurín por Bianchini para La Walkyrie de Wagner en la Ópera de París.
Figurín de Bianchini para La Walkyrie de Wagner, en la Ópera de París, 1893. Imagen de Pinterest.
Es evidente que al ejercer un oficio de forma vocacional se hace apasionadamente, intentando dar lo mejor de uno mismo, crear un estilo propio y dejar impronta. Bianchini es minucioso y detallista. Ningún detalle del personaje es dejado a la improvisación. Todo está diseñado y representado: ropa, complementos, joyas, maquillaje, peinado…
Rey de Irán, por Bianchini. Imagen de gallica.bnf.fr
Hay muy pocos datos de su biografía, pero sí se sabe que el 10 de Mayo de 1898 cae enfermo de forma repentina, entrando en un estado parecido al coma, y hasta el día 17 alterna extraños estados: amanece mejor, pero su estado se agrava rápidamente durante el día, aunque no muere. Nadie sospecha de su mujer, hasta que el día 13 pide a un doctor atropina “para su perro”. Las sospechas se convierten en certeza por las alucinaciones de los días 14 y 15, por lo que decide avisar a otros doctores y es finalmente apartado se su esposa el día 17. En 8 días está en pie.
Madame Simonet. Personaje de La Traviata (ópera de Verdi basada en La dama de las camelias, de Dumas. La ilustración para este vestido parece sencilla, simplificada, sin embargo todo está exquisitamente detallado: tejidos, colores, brocados, forma.
A partir de 1900 los temas históricos modifican el método de trabajo de los costureros y los talleres deben adaptarse.
Después de la Segunda Guerra Mundial, la Ópera de París colabora estrechamente con la Escuela de París y con la Escuela Italiana.
LILA DE NOBILI VISTE A “LA CALLAS”:
Lila De Nobili (Lugano, 1916- París, 2002) es una diseñadora, diseñadora de vestuario y escenógrafa suizo-italiana. Destaca como ilustradora para la revista Vogue. En 1943 se establece en París . Realiza históricos vestuarios en ópera, especialmente en La Scala de Milán con Luchino Visconti, Maria Callas, Franco Zeffirelli, Luigi Squarzina y en Inglaterra con Frederick Ashton, Tony Richardson y Peter Hall entre 1957-62 en seis producciones de obras de Shakespeare, y la primera Carmen en el Palais Garnier en 1958.
María Callas vestida por Lila de Nobili para La Traviata. Imagen de Wikipedia.
Figurines de Lila De Nobili para Las cigarreras de Carmen. Imagen de Pinterest.
En los años 1960 los estilistas sustituyen a los pintores. Roland Petit encarga a Yves Saint Laurent el vestuario de Notre Dame de París, y Robert Wilson hace lo mismo con Kenzo para La Flûte Magique (1999).
CHRISTIAN LACROIX Y SUS MARAVILLOSAS ILUSTRACIONES:
Pero entre los diseñadores, quien destaca sobre el resto es Christian Lacroix (Arles, Francia, 1951). El diseñador se aparta de las pasarelasen el 2009, y aunque colabora con alguna marca, la mayor parte de su talento como modisto lo dedica al vestuario para ópera. Ha llevado la Alta Costura al escenario. Su visión barroca y exagerada de la moda, encaja perfecta en la ópera. Y sus ilustraciones son fantásticas.
Croquis de Lacroix para la Ópera de París. Pinterest.
Croquis de Lacroix para la Ópera de París. Imagen de Pinterest.
Croquis de Lacroix para la Ópera de París.
IRIS VAN HERPEN: ¿LA ESCULTORA DE LA MODA?
Si a Balenciaga o Stéphane Rolland se les conoce como los arquitectos de la Moda, creo que Iris Van Herpen (1984) bien merece el título de escultora además de modista. En un momento en que todo parece inventado, esta diseñadora ha conseguido insuflar aire nuevo moviéndose entre la alta tecnología, la impresión 3d, la ciencia y el artesanado, à la quête de nuevos materiales y técnicas, concibiendo la moda como arte.
Pelleas et Méllisande
Es además noticia estos días porque creará 20 trajes para el Ballet Pelleas et Mélisande, compuesto por Claude Debussy y que será representado en la Ópera de Anvers (Francia). Sus diseños obviamente no son para la calle, para la vida diaria, pero creo que, como Lacroix, encaja perfecta en este medio, en los escenarios, tanto para obras nuevas, como para revisar el vestuario de los clásicos. Intentando imaginar cómo vestiría ella a Armida, la hechicera enamorada de Rinaldo, me despido hasta el próximo artículo.
Vestuario de Iris Van Herpen. Imagen de Vogue.
Un saludo y gracias por la lectura.
María Gondar para El Blog de Cruz Costa Costura.
BIBLIOGRAFÍA:
https://vestuarioescenico.wordpress.com/
http://www.opera-europa.org/es/recursos-de-pera/historia
http://www.filomusica.com/opera.html
https://www.artlyriquefr.fr/personnages/Bianchini%20Charles.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Lila_de_Nobili
https://www.opera-comique.com/fr/l-opera-comique/l-atelier-costumes-teinture-naturelle
https://www.olyrix.com/decouvrir-opera/metiers-de-lopera/6/le-costume-a-lopera-1-la-place-du-costume
http://www.elmundo.es/cultura/2016/05/21/573f44b246163ff17a8b45a0.html
http://www.itfashion.com/cultura/arte-y-parte/en-los-archivos-de-lacroix/
http://egiptologia.com/aida-y-mariette-una-opera-egiptomaniaca/
READ MOREHISTORIA DEL VESTIDO DE NOVIA
Si bien es cierto que se celebran bodas durante todo el año, Mayo sigue siendo el mes «oficial» de las ceremonias nupciales. Así que, como parte de los artículos dedicados a la Historia de la Moda a través de ciertas prendas, y ya que estamos en el quinto mes del año, voy a hacer un repaso de los orígenes documentados del vestido de novia.
Conocemos bien las tradiciones que rodean al vestido, que el blanco representa la virginidad, que, en muchos lugares, la novia debe llevar algo nuevo, algo viejo, algo prestado y algo azul, además del ramo, el velo, etcétera; pero no siempre sabemos qué simbolizan y cuándo empezaron a usarse -por ejemplo…
el algo azul se originó en Israel y significaba fidelidad y pureza-.
¿Quieres conocer algunos datos más?
Pues sigue leyendo y espero que disfrutes haciéndolo.
Mi abuela se casó en 1956 en una aldea situada en el corazón del Salnés, -un hermoso valle muy conocido hoy en día por el vino Albariño-, a tan sólo unos pocos kilómetros de Cambados. Aunque en Galicia en esa época las mujeres de las ciudades ya se casaban de blanco, en el rural era frecuente que se casasen con trajes que podrían reutilizar. El concepto de un vestido para un sólo día era difícil de aceptar entre las clases en las que no sobraba el dinero, sino más bien lo contrario. Así que ella, aún siendo modista, se casó con un traje de chaqueta negro. Y tuvieron que pasar unos veinte años hasta que confeccionó por primera vez el que conocemos como «tradicional» vestido de novia blanco para una clienta.
Novia en traje chaqueta negro y velo de encaje del mismo color.
Ahora vayamos atrás en el tiempo:
EGIPTO:
Gracias a papiros y grabados sabemos que las novias del Antiguo Egipto se casan con una falda larga y encima una especie de túnica que puede ser transparente, normalmente azul, (color que simboliza la eternidad), aunque las clases más pudientes lo hacen de blanco. En el pelo llevan una cinta rayada, sujeta detrás de las orejas.
La Estela de los Enamorados. Egipto.
ROMA:
En la Antigua Roma las mujeres de la aristocracia se casan con una túnica blanca ajustada con un cinturón (cingulum) que se ata con un nudo de Hércules que simboliza la virginidad, y que desata el novio en la noche de bodas. En la cabeza llevan un velo de color amarillo azafrán o rojizo (velarium flammeun), al igual que las sandalias, que representa el fuego de Vesta, la diosa protectora del fuego del hogar. Sobre el pelo, peinado con seis trenzas en honor de las vírgenes vestales, llevan una corona de lirios, trigo, romero y mirto, que son símbolos de pureza, fertilidad, virilidad y larga vida).
Matrimonio romano. Imagen obtenida de losojosdehipatia.com.es
GRECIA:
¿Qué hay de la Grecia clásica? Abandonan la soltería vestidas con una túnica blanca de lino, y sobre ella una especie manto drapeado. El pelo se adorna con una corona de mirto, en honor a la diosa del amor, Afrodita.
EDAD MEDIA:
Durante este período, ni la forma ni los colores de los vestidos tienen demasiada importancia. La futura esposa simplemente lleva el mejor vestido que la familia puede permitirse, y en muchas ocasiones, heredado, lo que lo convierte en una joya del guardarropas familiar. Los colores son vivos, tejidos preciosos, brocados, damascos… Gracias a muchas pinturas, que sirven de documentación, podemos ver cómo el rojo es un color muy frecuente.
Observa en la siguiente imagen cómo la novia lleva como accesorio un sombrero cónico, con un velo transparente sujeto a la punta.
Pintura de un matriomonio del siglo XV.
Como pequeño paréntesis en este viaje a través de la Historia, mencionar que rojo también es el color del sari tradicional de las novias hindúes. El vestido se adorna con oro, y las mujeres del entorno de la novia, le pintan las manos y pies con henna con preciosos dibujos simbólicos.
Y LLEGÓ EL BLANCO…
El primer vestido de novia blanco documentado es el de la princesa Philippa de Lancaster, hija de Enrique IV de Inglaterra, en 1406: una túnica y un manto de seda blanca bordado con piel de armiño y de ardilla.
Ana de Bretaña también se casa de blanco con Luis XII de Francia en 1499.
Catalina de Aragón, primera mujer de Enrique VIII, se casa, con 15 años, con un vestido de raso blanco bordado de perlas e hilos de oro, en 1501, y con el pelo suelto sobre los hombros, símbolo de la virginidad.
María Estuardo, reina de Escocia, se casa en 1558, a los 16 años, con el heredero al trono de Francia, en la Catedral de Notre-Dame de París. A pesar de que su rango es altísimo, opta por un vestido de formas muy sencillas, poco ornamentado, rompiendo con la tradición. Provoca un gran revuelo, dado que, desde la Edad Media, el blanco es el color de luto para las reinas de Francia.
María Estuardo.
¿Te lo pondrías? El volumen y forma de la falda podrían ser de un vestido actual: líneas simples, el talle muy ceñido, con ese detalle en uve y la falda con mucho cuerpo, a modo de campana, con una especie de capa. Y la doble manga crea una figura escultural.
Pero es en 1840 cuando una novia hace que el vestido blanco se vuelva tendencia. Se trata de Victoria de Inglaterra, que con 20 años, y reina desde los 18, se casa con el hombre que ama, Alberto de Sajonia.
Reina Victoria
Quiere demostrar que no es una reina la que contrae matrimonio, sino una mujer enamorada, por lo que rechaza la riqueza y majestuosidad tradicionales, propias de un traje de novia para una reina. Escoge un vestido blanco, con encajes. Adorna su pelo con azahares (símbolo de fertilidad, ya el naranjo es un árbol siempre verde, un perenne) y diamantes. El largo velo es propio de su rango. Gracias a las fotografías, su vestido se extiende por las cortes europeas. Sus hijas y nietas también se casan de blanco.
Pone de moda las flores. El azahar se convierte en el emblema de la esposa victoriana. Cuando no disponen de ellas, las llevan de cera o cerámica.
Reina Victoria
En 1854, el Papa Pío IX proclama el dogma de la Inmaculada Concepción, en su bula Ineffabilis Deus. Cuatro años después, Bernadette Soubirous afirma haber presenciado 18 apariciones de Virgen María en la gruta de Massabielle, en las afueras de Lourdes, con vestido y velo blancos, cinturón azul y una rosa amarilla en cada pie. Cuenta que en su decimosexta aparición le dice «yo soy la Inmaculada Concepción».
La liturgia utiliza el blanco, aumentando la simbología de virginidad, pureza, belleza y santidad.
Virgen de Lourdes, vestida de blanco.
LAS NOVIAS A TRAVÉS DE LA PINTURA:
¿Qué te parece el vestido de esta novia pintada por Vasily Pukirev (1862)? Vemos cómo una jovencita es obligada a casarse mediante un matrimonio concertado. La pintura, tan triste, contrasta de un modo drástico con la gran belleza y riqueza del vestido. La joven novia lleva un corsé que termina en forma de uve, como el anteriormente mencionado de María Estuardo, y una falda con mucho volumen y cuerpo. Los hombros van descubiertos. El velo se sujeta con una corona de flores. Pukirev detalla con sumo cuidado las puntillas transparentes que enriquecen el vestido, las perlas al cuello y los pendientes.
Matrimonio concertado, de Pukirev. Imagen deartshreds.tumblr
Final del corsé en forma de uve. Falda con mucho vuelo.
Sin embargo, el blanco sigue sin ser de uso común, como sucede hoy en día. Es algo al alcance de reinas y princesas.
1910:
Llegados a los años 10 del 1900 las líneas se vuelven un poco más rectas, y la ropa de mujer algo más sencilla y cómoda.
1920:
Durante los años 20, Coco Chanel, adaptándose a los cambios sociales, propone trajes de novia cortos, por debajo de la rodilla, de líneas simples. Quiere acompañar con su ropa a una mujer activa, autónoma, hacerla sentirse cómoda, libre de los ornamentos que exigía la vestimenta hasta ese momento.
1930:
A lo largo de la década de los años 30 del siglo XX, el uso del vestido blanco con el velo y el ramo de flores se afirma.
Con la llegada del cine sonoro, y gracias a la ayuda de los modistos, las estrellas de cine se convierten en iconos de moda. Sin embargo, no todas quieren blanco: Mainbocher, costurero norteamericano, diseña en 1937 el vestido de novia de Wallis Simpson -para ella es su tercer matrimonio-, para su boda con el Príncipe de Gales Eduardo VIII. Dado que él renuncia al trono para casarse con Wallis, la boda tiene mucha repercusión, y su sencillo vestido en satin crepé azul se convierte en un referente para otros diseñadores.
Wallis Simpson
Wallis Simpson vestida de novia en azul.
Pero quien consagra de manera definitiva el vestido con faldas de gran volúmen es Christian Dior, con sus novias de la colección New Look, de 1947.
Vimos en el post anterior, sobre la aparición del tailleur, cómo Dior marca en este año un punto y aparte en la Moda. En este período de post guerra, de reconstrucción, busca recuperar la sofisticación del siglo pasado, las cinturas muy marcadas y el volumen de las faldas.
El estilo princesa vuelve con fuerza, para quedarse.
Novia de Dior
Novia de Dior
Novia de Dior
1970:
Esta década fue la del movimiento «hippie», y su influencia en la moda nupcial es notable: detalles florales, encajes, escotes en uve, líneas fluidas, con mucha caída. Pelos sueltos adornados con flores.
1980:
Predominan los vestidos de novia con grandes volúmenes, tanto en faldas como en mangas. De corte princesa, pero exagerados. Muchos diseñadores optan por tejidos blancos brillantes, por lo que se asocia a la idea de «vestido merengue».
Lady Diane.
Siglo XXI:
Y volviendo a nuestros días, las novias del siglo XXI, pueden optar por multitud de formas y tejidos, según sus gustos, personalidad o lo que mejor les sienta: vestidos de inspiración vintage de líneas dulces, con encajes, transparencias, adornos florales –Laura Escribano se está convirtiendo en un referente costura nupcial artesanal vintage en nuestro país-. Para otras, vestidos más setenteros, o bien de corte princesa (Pnina Tornai, Lazaro, Monique L’huillier…), con gran volumen en las faldas, corte sirena, vestidos cortos o estampados…
Uno de mis diseñadores de novias preferidos es el libanés Krikor Jabotian. Busca nuevas expresiones formales, aunque su lenguaje es clásico. Podría ser el diseñador de alguna diosa mitológica del presente o algún personaje de película de cuento actualizado.
El italiano Antonio Riva, arquitecto y diseñador de novias, es conocido por los preciosos volantes de sus vestidos: faldas en forma de gran rosa… Simplicidad elegante.
Los vestidos de Michael Cinco son de princesa de cuento, de Reina de los Hielos. Sus figuras son esculturales, gracias a los juegos de transparencia/cubierto que realiza en sus diseños. Talles muy ajustados y faldas con mucho cuerpo, o líneas sirena. Pero nunca sencillos. Los tejidos están muy trabajados, bordados, brocados, con cristales.
Stella de Libero juega y renueva líneas barrocas, recargadas, llenas de flores, tul, colores… Imágen de cantante de ópera. Me parecen muy originales, para novias atrevidas y divertidas, amantes quizás de la literatura romántica, como Orgullo y Prejuicio.
AFRÍCA OCCIDENTAL:
En África Occidental , aunque existe diversidad de posibilidades para vestirse el día de la boda, las novias suelen escoger el tradicional traje con tela Kita (en Costa de Marfil) o Kente (en Ghana). Son telas muy coloreadas, hechas a mano con dibujos simbólicos. Aunque originalmente es una tela de uso real, hoy en día está permitido que la utilice cualquiera. Las novias se maquillan la cara, siguiendo la tradición, con caolín.
JAPÓN:
Es sabido por todos que Japón es un país que respeta enormemente su tradición. Si una novia se casa al estilo Shinto, lleva un kimono blanco puro, para el santuario, aunque durante el día lo cambia por otros más coloridos..
Novia estilo Shinto.
CRUZ COSTA:
En Cruz Costa -todavía estamos naciendo- no hemos tenido la suerte de confeccionar vestidos de novia largos, solamente corto, para novia civil. Personalmente, espero hacerlo algún día. De momento, ese proyecto duerme en forma de figurines e ilustraciones. Con humildad, sabiéndome muy pequeñita, quiero terminar este repaso a la historia, con algunos vestidos que me gustaría ver realizados, mis propuestas.
Gracias por la lectura y un saludo. Hasta el próximo artículo.
BIBLIOGRAFÍA:
-instantprecieux.com.fr histoire-robe-mariee
-pronuptia.com
-losojosdehipatia.com.es El matrimonio en la Roma Antigua
-egitologia.com Amigos de la egiptología
-artehistoria.com
-artbouillon.com
-lasociedadgeografica.com Sociedad Geográfica de las Indias
-lipstiq.com
-elpantanorestaurante.com
-Imágenes de Pinterest
-trubridal.org Tru Bridal Wedding Blog
-bellanaija.com BellaNaija Weddings
-vogue.es Novias
-thelookalexa.blogspot.com.es
-barbarosillo.com
– radioafricamagazine
-salondumariagedebussy.over-blog.com
-dianeonwhidbeyisland.blogspot.com
-wordpress.com